История моды в женских портретах маслом, художник Роберт Пик

Образ прекрасных женщин в картинах великих художников

Женщина — с нами, когда мы рождаемся,
Женщина — с нами в последний наш час.
Женщина — знамя, когда мы сражаемся,
Женщина — радость раскрывшихся глаз.
Первая наша влюбленность и счастие,
В лучшем стремлении — первый привет.
В битве за право — огонь соучастия,
Женщина — музыка. Женщина — свет.

Константин Бальмонт.
Накануне самого красивого и нежного праздника в году, 8 Марта, предлагаю полюбоваться небольшой подборкой картин великих художников с изображением прекрасных женщин. Приятного просмотра!

«Весна» Генриетта Эмма Ратклифф Рае

«Молодая женщина, читающая у окна» Дельфин Анжольра.

«Утреннее солнце» Паулин Палмер.

«Восточная женщина с сигаретой» Дельфин Анжольра.

«В ожидании его возвращения» Даниель Ф. Герхартц.

«Итальянский полдень» Брюллов Карл.

«Полуденное солнце» Джозеф Милнер Кайт.

«Её письменный стол» Дельфин Анжольра.

«Чтение в будуаре» Дельфин Анжольра.

«Зимнее солнце» Даниель Ф. Герхартц.

«Сирень» Даниель Ф. Герхартц.

«Портрет девочки» Фешин Николай Иванович.

«Весна в степи» (портрет А.Н. Фешиной) Фешин Николай Иванович.

«Бабушкины сказки» Максимов Виталий.

«Девушка с горшком роз» Тропинин Василий Андреевич.

«Девушка со свечой» Тропинин Василий Андреевич.

«Золотошвейка» Тропинин Василий Андреевич.

«Кружевница» Тропинин Василий Андреевич.

«Женщина в окне (казначейша)» Тропинин Василий Андреевич.

«Алёнушка» Виктор Васнецов.

«Светлана» Новосельцев Александр.

«Девичник» Алексей Корзухин.

«Девушка в платке» Венецианов Алексей.

«Крестьянка с васильками» Венецианов Алексей.

«Молодая чаровница» Богданов-Бельский Николай Петрович.

«Луговые цветы» Куликов Иван Семёнович.

«Боярышня» Маковский Константин Егорович.

«Боярышня у окна» Маковский Константин Егорович.

«Девушка в костюме Флоры» Маковский Константин Егорович.

«Девушка в боярской одежде» Маковский Константин Егорович.

«Девушка в национальном костюме» Маковский Константин Егорович.

«За чаем» Маковский Константин Егорович.

«За прялкой» Маковский Константин Егорович.

«Русская красавица» Маковский Константин Егорович.

«Русская красавица в кокошнике» Маковский Константин Егорович.

«Русская красавица» Харламов Алексей Алексеевич.

«Девушка, пускающая мыльные пузыри» Харламов Алексей Алексеевич.

«Сёстры» Харламов Алексей Алексеевич.

«Прелесть» Харламов Алексей Алексеевич.

«Портрет девушки» Харламов Алексей Алексеевич.

«Портрет девушки на жёлтом фоне» Харламов Алексей Алексеевич.

«Мать и дочь» Харламов Алексей Алексеевич.

«Маленькие цветочницы» Харламов Алексей Алексеевич.

«Компановка» Харламов Алексей Алексеевич.

«Занятие чтением молодой дамы» Харламов Алексей Алексеевич.

«Цыганская девушка с цветами» Харламов Алексей Алексеевич.

«Купальщицы» Тихов Виталий Гаврилович.

«Купальщицы» Тихов Виталий Гаврилович.

«Портрет обнажённой» Тихов Виталий Гаврилович.

ЖЕНЩИНЫ В ЖИВОПИСИ. От древности до нашего времени

ЖЕНЩИНЫ В ЖИВОПИСИ. От древности до нашего времени

Женщины Египта были более свободны и независимы, чем женщины других стран – не только Древнего Мира, но и Европы: со средневековья до конца XIX века. Однако так называемое “равенство полов” в Древнем Египте отсутствовало – ибо согласно миропорядку, установленному Маат, жизненная сущность мужчин и женщин разная. Мужчины Египта преклонялись перед женщинами, восхищались ими, заботились о них. При этом, естественно, требуя от них внимания и уважения к себе. В традиционном изобразительном искусстве Египта женщин чаще всего представляли в образе любящей жены, держащей мужа за руку, или обнимающей его за плечо. Так как мужчины работали на свежем воздухе на полях или у реки, их кожа была тёмной, в то время как у женщин, занятых в закрытом от палящего солнца помещении – светлой. Согласно изобразительному искусству, египтянок обычно представляют хрупкими и изящными.

Критские женщины имели неестественно узкую талию, были невысокого роста и изящного телосложения. Лица они прятали в тени, от чего кожа была бледной, и на ее фоне – черные глаза и волосы. Женщины носили локоны, обрамлявшие шею, кудри, собранные на лбу, либо косы с вплетенными лентами. На головах критянки носили пышные шляпки (подобные шляпкам XIX века). Ноги часто были босые, но женщины высшего класса иногда одевали кожаные туфли с вышивкой.

Фрагмент спинки трона Тутанхамона

Роспись в Кносском дворце. Крит

Роспись в Помпеях

Средневековье отвело женщине очень скромное, если не сказать ничтожное, место в стройном здании социальной иерархии. Патриархальный инстинкт, традиции, сохранившиеся еще со времен варварства, наконец, религиозная ортодоксия – все это подсказывало средневековому человеку весьма настороженное отношение к женщине.Неотъемлемым атрибутом женской «греховности» считалось использование косметики и украшений – и то и другое сурово осуждалось церковью. Даже существовала особое постановление, согласно которому брак, заключенный при помощи женских «ухищрений» – косметики, нарядов и т. д. считался обманным, незаконным и мог быть расторгнут.

Человеческая личность опосредуется в эпоху Возрождения не Богом, а красотой и прежде всего женской красотой. Впервые в истории человечества женщина занимает исключительное место, как Мадонна на троне.
Вот откуда бесконечная вереница Мадонн, постепенно превращающихся просто в портреты молодых женщин эпохи. Женщина эпохи Возрождения – это знатность, красота и образованность.

Боттичелли -Мадонна Магнификат (Величание Мадонны)

Ботичелли- Рождение Венеры

да Винчи- Дама с горностаем

да Винчи- Мадонна Литта

да Винчи- Джоконда

Джорджоне -Спящая Венера

В эпоху барокко (кон. XVI-XVII вв.) естественность вновь выходит из моды. На смену ей приходят стилизация и театральность. Расцвет барокко пришелся на период правления французского «короля-солнце» Людовика XIV. С этих пор французский двор начинает диктовать моду всей Европе. Женское тело в период барокко, как и ранее, должно быть «богатым» с «лебединой» шеей, широкими откинутыми назад плечами и пышными бедрами. Но талия теперь должна быть как можно тоньше, и в моду входят корсеты из китового уса. Пышная, вычурная одежда надолго становится одним из основных элементов женской неотразимости. Парадность внешнего вида наиболее ярко проявилась в широком использовании роскошных воротников и париков, просуществовавших среди знати без малого три века.

В начале XVIII в. наступает эпоха рококо, и женский силуэт снова меняется. Теперь женщина должна напоминать хрупкую фарфоровую статуэтку. Торжественную парадность барокко сменяет грациозность, легкость и игривость. При этом театральность и неестественность никуда не уходят – напротив, достигают своего пика. И мужчины, и женщины приобретают кукольный облик. Красавица эпохи рококо имеет узкие плечи и тонкую талию, маленький лиф контрастирует с огромной округлой юбкой. Декольте увеличивается, а юбка несколько укорачивается. В связи с этим пристальное внимание начинает уделяться нижнему белью. В моду входят чулки, а нижняя юбка богато украшается. Обнажать женскую грудь, касаться ее и целовать – отныне считалось вполне приличным. Скромность вызывала лишь насмешки: раз девушка стыдится – значит нечем похвалиться. Дамы же постоянно находили повод показать свою грудь – то роза упала и уколола, то блошка укусила – «посмотрите!». Популярным развлечением знати были и своеобразные конкурсы красоты, где дамы без стыда задирали подолы и распахивали корсажи. На лицо галантные дамы накладывали столько грима, что, говорят, мужья часто не узнавали своих жен.

Франсуа Буше- Портрет Луизы О`Мэрфи

Подражание античной одежде изменило и силуэт женщины. Платье приобретает ясные пропорции и плавные линии. Основной одеждой модниц стал белоснежный шмиз – полотняная рубашка с большим декольте, короткими рукавами, зауженная спереди и свободно обволакивающая фигуру внизу. Пояс переместился под самую грудь. Ампир был одним из последних ярко выраженных стилей, диктующих относительно четкие каноны красоты и моды. С началом XIX века мода начинает меняться настолько стремительно, что уловить можно только некоторые самые яркие тенденции.

История моды в женских портретах маслом, художник Роберт Пик

Войти

Детали женской одежды на картинах старых художников

Я люблю моду. Современную и моду прошлых лет. Люблю рассматривать детали одежды на портретах женщин в картинных галереях тех стран Европы, где мне удается побывать, а интернет дает возможность рассматривать детали одежды на тех картинах и портретах, видеть которые мне не довелось.
Вот, например, платье Моны Лизы, в миру Лизы Герардини, супруги торговца шёлком из Флоренции Франческо дель Джокондо (хотя существуют и другие версии личности Моны Лизы).

Мона Лиза, Леонардо да Винчи, 1503—1505 года.

Платье пошито из шелка зеленоватого цвета в мелких сборках, с жёлтыми рукавами в складках. Круглый вырез на груди украшен кружевными зубчиками и золотой вышивкой или тесьмой. Рукава привязывались к платью на плече, открывая белоснежное облачко нижней сорочки. У Моны Лизы это облачко белья скрыто шелковой накидкой. Такой тип платья назывался guarnello. Этот стиль одежды похож на платьях, изображенные на картинах Девы Марии и является стандартной формой одежды, которую носили ангелы в живописи.
В жизни такие платья носили дети и беременные женщины. Обычно их шили из тонкого хлопка, но жена торговца шелком могла себе позволить платья из лучших шелков, а заодно и рекламировала товар мужа.
В своем Трактате о живописи Леонардо писал, что искусство должно избегать моды. Он считал, что мужчины и женщины, которых изображают на полотнах, не должны быть одеты по последнему писку моды, чтобы избежать насмешек, на них должны быть только те вещи, которые вызывают восхищение своей красотой и изяществом.

Читайте также:  Carolina Herrera – фото лучших платьев и биография

Прекрасная Ферроньерa, школа Леонардо да Винчи

Платье пошито из красного бархата с глубоким прямоугольным вырезом лифа. Рукава можно отстегивать (на этом портрете, как раз, видны “облачка” нежной сорочки). Гладкая прическа женщины украшена обручем с подвеской – фероньеркой (у названия фероньерка есть красивая легенда, но это тема для другого поста).

Мужчины-художники эпохи Возрождения, рисующие женщин, (они же, по сути, были и модными дизайнерами того времени) считали, что лучше всего красоту и женственность подчеркивает платье из легкого материала в мелкую сборку или плиссировку с круглым вырезом, открывающим шею, и с узкими рукавами, обвитыми жемчугом или тесьмой.

Мария Магдалена, Ян ван Скорел, 1530 г.

Но женщины во все века хотели быть не только красивыми, но и модными. Эпоха Возрождения – не исключение. И хотя раньше мода менялась не так быстро, как сейчас, мода эпохи Возрождения разительно отличалась от моды Средневековой. Долой готику! и Да здравствует Ренессанс!
Прежде всего изменились каноны красоты. На смену худосочным, бледным женщинам пришли высокие, широкоплечие женщины, с роскошным бюстом.
В своем трактате “О красоте женщин” Аньоло Фиренцуолы писал: “. волосы женщин должны быть нежными, густыми, длинными и волнистыми, цветом они должны уподобляться золоту или же меду, или же горящим лучам солнечным. Телосложение должно быть большое, прочное, но при этом благородных форм. Чрезмерно рослое тело не может нравиться, так же как небольшое и худое. Белый цвет кожи не прекрасен, ибо это значит, что она слишком бледна; кожа должна быть слегка красноватой от кровообращения. Плечи должны быть широкими. На груди не должна проступать ни одна кость. Совершенная грудь повышается плавно, незаметно для глаза. Самые красивые ноги — это длинные, стройные, внизу тонкие с сильными снежно-белыми икрами, которые оканчиваются маленькой, узкой, но не сухощавой ступней. Предплечья должны быть белыми, мускулистыми. “.
Чтобы соответствовать новым канонам красоты, поменялась и мода на одежду. Полностью вышли из моды заниженные и завышенные пояса. Пояс стал помещаться на талии.
Женская одежда стала состоять из двух платьев: нижнего – котт и верхнего — симара.
Котт — обычно отрезное в талии платье с прилегающим лифом и широкой, заложенной крупными складками юбкой. Лиф имел декольте — спереди квадратное, сзади удлиненное.
Симара состояла из трех частей: удлиненной свободной спинки, заложенной от горловины спинки складками, и двух более коротких полочек спереди. По бокам симара не сшивалась и только спереди придерживалась поясом на талии. Такой покрой позволял драпировать симару в различных вариантах.
Платья итальянских женщин, обычно имели плавные, естественные пропорции. Флорентийки предпочитали изысканную простоту, венецианкам больше нравились более пышные формы платьев и более роскошно украшенные. Но и те и другие подчеркивали естественные формы.

Портрет дамы, Корреджо, 1518

У испанок одежда тоже состояла из двух платьев, но существовало главное различие. В испанской моде все фигуры подгонялись под определенный стандарт. Делалось это с помощью специального корсета и юбки на специальном плотном чехле с металлическими или деревянными обручами различного размера. Кроме того уничтожались любые признаки женственности. Никакого намека на грудь, девочкам-испанкам бинтовали грудь свинцовыми пластинками. По эстетическим представлениям испанцев идеальной считалась худая и стройная женская фигура. Поэтому узкий лиф затягивал фигуру с плоской грудью, узкая в бедрах юбка расширялась книзу, облегая каркас без единой складки. Позже именно испанская мода сформировала всю остальную европейскую моду.

Инфанта Изабелла Клара Евгения Испанская

Француженок не устраивала ни пышнотелая итальянская мода, ни худощавость и чопорность испанок. Они соединили жесткий испанский каркас и пышность и роскошь итальянской моды.
Узкий и жесткий лиф французского котт имел глубокое декольте, часто украшенное веерообразным жестким кружевным воротником, и широкую экстравагантную юбку на каркасе. Сверху надевался роб – верхнее платье из парчи прилегающего силуэта, распашное спереди.

Луиза Лотарингская (Луиза де Лоррейн), Франсуа Клуэ, 1575

Мода немецких женщин привнесла в общую копилку моды эпохи Возрождения декоративную вычурность и яркость. Влияние на женскую немецкую моду того времени оказала форма ландскнехтов, необычайно пестрая и кричащая. Кроме того одежда ландскнехтов обычно прорезалась в местах плечевых, локтевых и коленных сгибов для удобства движения. Модники и модницы взяли эту фишку на вооружения для своих костюмов и платьев в качестве декоративного украшения.

Екатерина Мекленбургская (1487-1561), Лукас Кранах Старший

Англичанки в своей моде использовали элементы и итальянской и испанской и немецкой моды. Их платья были самыми великолепными и роскошными. В тоже время англичанки предпочитали спокойные, уравновешенные пропорции и из роскошных тканей выбирали самые добротные и практичные.

портрет Екатерины Парр мастера Джона (1545)

типичный для того времени головной убор, платье узкое в талии, изысканная парчовая ткань, рукава узкие от плеча и широкие снизу, украшенные мехом с манжетами, прямоугольное, “бродячее” декольте (то есть во время ходьбы могло перемещаться из стороны в сторону и даже оголить случайно грудь), концы цепи с талии свисают почти до пола и заканчиваются кисточкой

Несмотря на основные тенденции, детали платьев были самыми разнообразными.
Декольте могло быть разной формы.
С круглым вырезом

Элизабет, графиня Келли, Пауль ван Сомер (1576/1578–1622)

С прямоугольным
Прямоугольный вырез был самым распространенным

Элеонора Толедская с сыном (супруга великого герцога Тосканы Козимо I Медичи), Аньоло Бронзино, 1545

Анна Болейн, королева Англии с 1533 по 1536 годы

v-образный вырез изменил размеры. На смену широкому вырезу до талии пришел вырез широкий только до груди

Камилла Мартелли (1545 — 1590), морганатическая супруга Козимо I Медичи, Алессандро Аллори

В эпоху Возрождения были модны широкие и вздутые рукава, которые чаще всего были съемными. Они позволяли видеть лишь край разрезанного рукава рубашки с оборкой на запястьях. Рукава в женском платье членили разрезами, они состояли из деталей разных форм и объемов, повторяя стиль, принятый в архитектуре.

Донна Велата, Рафаэль Санти, 1516 год.

Один из трех, так называемых, портретов Армады Елизаветы I, представляющих поражение испанской Армады в 1588 году.

Инфанта Изабелла Клара Евгения, Алонсо Санчес Коэльо 1588

Королевы и инфанты всегда могли себе позволить идти в фарватере моды, но о богатстве дамы свидетельствовал не модный, вздутый рукав, а узкий.

Елизавета Валуа, Хуан Пантоха де ла Крус, 1605

Кроме того, о богатстве говорил рукав, который имел разрез изначально на локтях, а затем и в пройме, обнажая нижнее бельё. Нижнее белое белье считалось самым шикарным, ведь в то время белые ткани были одними из самых дорогих.

Изабелла Португальская, Тициан, 1548

Верх рукава часто украшали специальными накладками (brodoni), а низ – манжетами

Джейн Сеймур, королева Англии, Ганс Гольбейн Младший, 1537

Эрцгерцогиня Мария Магдалена Австрийская, Пурбус, Франс Младший, 1603

Маргарита Австрийская, королева – консорт, жена короля Испании Филиппа III, Хуан Пантоха де ла Крус, 1605

Модницы эпохи Возрождения предпочитали тонкие и качественные ткани: бархат, шелк, парчу. Если человек одевается в сукно, то выглядит в нем, как в монашеской рясе, а выглядеть монахинями светские женщины того периода не хотели. Для жестких и трудных для шитья тканей, как, например, парча придумали новый покрой и новую драпировку из складок.

Королева Елизавета I, Маркус Герардс Младший, 1592

Принцесса Елизавета, а позже королева Богемии, Роберт Пик, ок 1606

Леди Дороти Кэри, Уильям Ларкин, 1615

В эпоху Ренессанса в дополнение к образу использовали веера, перчатки, носовые платочки, зеркальца, кошелечки. Эти предметы стали не только функциональными, но и декоративными

В этот период самой модной была обувь на платформе. Как женщины ходили на этих утюгах, не представляю. Платформы Леди Гаги по-сравнению с этими – домашние тапочки.

Зато украшения эпохи Ренессанса просто чудесны

Справа сверху – ароматический шарик, чтобы приятно пахнуть.

Женский портрет в истории живописи

Женщина-загадка, как неуловимая лента в волосах; женщина-хранительница домашнего очага с теплыми, мудрыми руками; женщины-звезды, женщины-цветы: век от века ради них совершаются отчаянные подвиги и создаются бессмертные произведения искусства. О своей первой возлюбленной Марк Шагал говорил: «Когда я с Беллой, я не хожу, а летаю». Белла Розенфельд была неизменной музой живописца, и даже после смерти девушки ее черты продолжали жить на портретах Шагала. Женская красота, любовь к женщине – само по себе искусство, но каждый художник видел и воплощал его по-разному, запечатлевая образ своей Венеры.


Россети Габриэль Данте. Беатриче

Огненно-рыжие волосы, волнами спадавшие на матовые плечи Элизабет Сиддал, ее стройный стан делали обыкновенную лондонскую модистку похожей на лесную нимфу, и, конечно, эта красота не укрылась от наблюдательных глаз художников. В 1849 году Элизабет начинает работать натурщицей, примеряя образы Шекспировских героинь – Офелии и Виолы. В 1882 она знакомится с Данте Россетти, становясь его музой, а затем женой.
Трепетное чувство, которое испытывает художник к Элизабет, отражено в каждом ее портрете, а картина «Беатриче», где девушка изображена как вечная возлюбленная Данте другого столетия, считается одним из лучших произведений мастера.

Читайте также:  Романский стиль в женской и мужской одежде – мода Средневековья


Пабло Пикассо. Женщина с вороной

Многие из нас, слыша имя этого известного художника, скорее всего, представляют что-то носато-квадратное (а некоторые даже называют «что-то» страшным словом «кубизм»), однако к этому стилю Пикассо пришел не сразу. «Женщина с вороной» – относительно раннее произведение художника, написанное в 1904 году, на стыке голубого и розового периодов его жизни. Об этом говорит все еще присутствующий насыщенный синий цвет фона и красное, создающее контраст, платье. Длинные пальцы, выбившийся локон, нежно падающий на щеку, и тощая бледность – такой образ тонкой, лирической девушки очень редок в творчестве Пикассо, позже изображавшего на своих полотнах «очень земных» женщин.


Альфонс Муха. Примула. Первоцвет

Говоря о творцах, воспевших изящество прекрасного пола, нельзя не вспомнить Альфонса Муху, чешского художника, который приобрел всемирную известность именно благодаря своим женским портретам в стиле ар-нуво. Это направление отличается наличием самых разных растительных орнаментов и женского образа, находящегося в полной гармонии с природой, как, например, на картине «Примула. Первоцвет». Девушка, изображенная здесь – это душа цветка, душа весны.

Муха был художником-ювелиром, выписывавшим каждую складку ткани, каждый лепесток как на этикетке спичечного коробка, так и на холсте. Красавицы в его произведениях воздушны и легки. На их утонченные фигуры в облаках одежд и флоры хочется смотреть, не отрываясь.


Амадео Модильяни. Жанна Эбютен

25 – столько раз писал портрет своей возлюбленной Жанны Эбютерн Амедео Модильяни. На всех полотнах ее образ проникнут особенной меланхолией, чувственностью, которая подчеркивается темной, «вечерней» цветовой гаммой. Художник и его муза переживали вместе и невзгоды, и радости, но так и не обручились: в 1919 году Модильяни умер от туберкулезного менингита, а Жанна, не выдержав горя, на следующий день после смерти мужа покончила с собой.


Сергей Маршенников. Рассвет

Конечно, тема женщины не теряет свою привлекательность и в искусстве XXI века. Поэт женского тела – так называют современного русского художника Сергея Маршенникова, чьи гиперреалистичные картины на просторах Интернета часто принимают за фотографии. «Wonderful! Estupendo! Великолепно!» – восторженные комментарии к своим работам живописец получает на всех языках мира. Его полотна, среди которых одно из наиболее известных – «Рассвет», дышат сном и безмятежностью, подкупая уютом и теплом каждого смятого кружева, утреннего блика, изгиба спящей руки.


Малькольм Липке. Отдых

Розовый румянец, неизменный блик на губах и взгляд, полный то ли мечты, то ли тоски – все это характерные черты девушки с портретов Малькольма Липке, современного американского живописца. Малькольм – художник, получивший образование не в престижном колледже, а нашедший свой уникальный стиль, учась «у прошлого»: цвет, текстуру Липке изучал в музейных залах. В его картинах прослеживается влияние Дега, Ренуара и других мастеров-импрессионистов, но при этом Малькольм имеет свой индивидуальный почерк, особенно узнаваемый в женских портретах. Резкие, экспрессивные мазки, сочетание вечерних теней и приглушенного света дополняют образ девушки-тайны, томящейся и желанной.

Искусство не может стоять на месте, новые веяния врываются в него, как весна, но женщина – страстная, нежная, влюбленная и любимая – продолжает застенчиво глядеть на своего зрителя с полотен разных стилей, разных художников. И каким бы ни было время, она все так же остается музой, феей, вдохновляющей своей внешней и душевной красотой.

femart

Женское творчество

Откроем дверь в мир, созданный женщинами

Пять мощных странных историй, рассказанных портретами

История полна примерами нетрадиционной любви. И также полна ими история искусств. Столь явный и скрытый эротизм мужских моделей нетрудно найти в шедеврах мировой живописи. Чаще всего художники были вынуждены прибегать к иносказаниям. Но не будем пока что об этом, тем более, что примеры я приводила раньше.
Лучше давайте посмотрим живопись более близкую современности, – вот эти портреты, и они рассказывают даже по нынешним меркам удивительные истории.
Как вы думаете, это джентльмен?

Портрет, написанный в том же году, когда женщины впервые получили право голосования, изображает не джентельмена, это женщина, родившаяся Маргаритой Радклифф Холл, но была она известна просто как «Джон» своим близким друзьям и любовницам. Холл – это резонансная андрогинная икона, чей роман «Колодец одиночества» считается одним из самых влиятельных работ.

12 августа в 1880 г. в Борнмуте, большом курортном городе на юге Англии, родилась Маргарет Рэдклифф Холл. Хотя дом, в котором она родилась, назывался «Солнечная лужайка», детство Маргарет в нём было довольно мрачным.
Её отец, Рэдклифф Рэдклифф-Холл, эпикуреец и донжуан, покинул семью, когда Маргарет не исполнилось и одного года. Совсем скоро горничная из «Солнечной лужайки» родила от него дочь.

Мать — американка Мэри Джейн Сигер — после этого вышла замуж за итальянца. Она ненавидела Рэдклиффа, который её бросил, и объектом этих чувств стала их дочь Маргарет. Она ненавидела свою дочь с момента её рождения и часто с отвращением отмечала в ней сходства с отцом: «Твои руки совсем как у Рэдклиффа», «Ты — копия своего отца».

У Маргарет не осталось ни одного тёплого воспоминания о Мэри Джейн. «Моя мать. Свирепая и безмозглая. Дура, но дура крайне хитрая и жестокая, для которой жизнь очень рано стала зеркалом, в котором она видела только своё собственное отражение». Трудно обвинить Маргарет в несправедливом отношении к матери, зная, что она ее избивала, а ещё и тот факт, что деньги, выделяемые отцом на содержание дочери, не достигали своей цели: мать экономила и на образовании Маргарет, и на заботе о её здоровье.

Но все когда-нибудь кончается, и власть свирепой матери, над девочкой и ее наследством кончилась, когда Маргарет исполнилось 21. Тогда случилась их последняя ссора – Холл узнала, что часть ее денег мать попросту растратила.

Но пришла свобода. Она смогла сбросить женскую одежду, выбранную ее матерью, и купить себе индивидуальное андрогинное платье. Ее предпочтения считались «эксцентричными» в обществе, которое еще не сформировало идеи гомосексуальных отношений. Холл и ее многолетняя любовница Уна Тробридж смотрелись просто близкими друзьями-женщинами.

Холл была довольно удачлива, живя с определенным количеством сексуальной свободы. Однако ее жизнь была не без противоречий. Колодец Одиночества был подвергнут высокопрофессиональному анализу на непристойность, которое даже Уинстон Черчилль чувствовал вынужденным взвесить, – хотя самая эротическая вольность, допущенная в романе – поцелуй.

Уна не наскучит Рэдклифф: они проживут вместе 28 лет.

Можно ли рассматривать эту композицию, не подумав о группе Блумсбери: этакий радикальный эксперимент странности в искусстве? ( Группа Блумсбери – элитарная группа английских интеллектуалов, писателей и художников, выпускников Кембриджа, объединённых сложными семейными, дружескими, творческими отношениями).
Достопочтенная Виктория Мэри Сэквилл-Вест, леди Николсон, известная как Вита Саквилл-Вест, была английским поэтом и садовником. Выиграла приз Хоторндена в 1927 и 1933 годах. Известна своей буйной аристократической жизнью, страстными отношениями с Вирджинией Вульф и садом замка Сиссинхерст, которые она и ее муж, сэр Гарольд Николсон, создали в своем имении.

В этом портрете взгляд Сэквилл-Уэст непоколебим, ее поза вызывающая, но одежда делает ее женственной: вроде, здесь нет андрогинии. Тем не менее, андрогинии в этой картине больше, чем кажется на первый взгляд – этот портрет поражает смелостью и независимым видом позирующей,и еще потому, что Саквилл-Уэст обычно приходила на заседания Странга с тогдашней любовницей, Вайолет Трефусис: акт смелого неповиновения.
11 ноября 1918 года влюблённые девушки уезжают в Париж. Там Вита маскируется под молодого человека, и называется Джулианом.

В 1922 году произошло знакомство Виты с Вирджинией Вулф. Первой как раз стукнуло 30, а второй – было уже 40. Отношения Виты с Вирджинией Вулф знамениты, их можно поблагодарить за вдохновение Вульф, когда она писала “Орландо”, сын Виты Найджел Николсон назвал его “самым длинным и самым очаровательным любовным письмом в литературе”.

Еще один пионер в области андрогинии, Глюк носила индивидуальные костюмы, обрезала волосы у мужского парикмахера и заказывала обувь у королевского сапожника. Глюк была: «художник, который подорвал гендерные нормы».

Ожесточенная независимость Глюк делает ее узнаваемой для современников. Она настаивала на том, чтобы быть известной только как Глюк, «без префикса, суффикса или цитат», и она не идентифицировала ни художественную школу, ни движение. Она показывала свою работу только на конкретных выставках, и только в рамке, которую Глюк изобрела и запатентовала. Ее картины не придерживались тем, начиная от портретов и заканчивая картинами войны, цветами и пейзажами. Глюк уклонилась от определения.

Читайте также:  История о теплом домашнем халате и роскошных халатах с Востока

Сирень и Гайлер Роуз – торжество отношений Глюка с Констанцей Спри, которая работала, между прочим, цветочным аранжировщиком.

Культура

Женский портрет в цвете: полотна знаменитых художников

О, женщины – удивительные создания. Вам посвящают стихи и песни. Мужчины к вашим ногам бросают, порой, весь мир. Вы смотрите на нас слегка надменно, но невозмутимо с полотен великих художников. Женский портрет и ныне остается самым сложным и загадочным жанром изобразительного искусства. Не меньшая тайна – это цвет, который выбрал художник. Здесь речь идет не о самом фоне полотна, а о том, в каком одеянии предстает муза живописца.

Сегодня предлагаю вам необычную подборку женских портретов, сыскавших мировую известность. Дамы будут облачены в одежды различных цветов, а мы их оценим – проследим зависимость выбранного цвета от образа, характера, живописного стиля и попытаемся разгадать замысел автора. Портретов будет девять, ведь кроме семи цветов радуги нельзя обойтись без классических: черного и белого.

Женщина в красном

  • Филипп Андреевич Малявин “Крестьянка в красном платье” (1910)
  • Стиль: модерн.
  • Место нахождения работы: Государственный художественный музей Белоруссии.

Ф. А. Малявин (1869 – 1940) – знаменитый русский живописец, прославившийся серией “цветущих русских баб”, выполненных в стиле “модерн”. Считается, что “Крестьянка в красном платье” – одна из лучших его работ. С холста на нас с вызовом смотрит экспрессивная, надменная, самоуверенная женщина. Полыхающий цвет ее кофты в сочетании с оливковым тоном лица усиливает образ. Красный в одежде – символ амбициозной, импульсивной, легко возбудимой и энергичной личности.

Женщина в оранжевом

  • Иван Яковлевич Вишняков “Портрет Анны Леопольдовны в оранжевом платье” (1741 – 1746)
  • Стиль: рококо.
  • Место нахождения работы: Государственный Русский Музей.

И. Я. Вишняков (1699 – 1761) – один из самых признанных русских художников-портретистов, представитель стиля рококо. Его самобытная манера и живописная техника лишена пафоса и надуманности. Интересный факт: первоначально Анна Леопольдовна была изображена в ярко-синем платье, так показала рентгенограмма. Возможно, первый портрет был выполнен во времена, когда она не была правительницей. В оранжевое платье Анну Леопольдовну “переодели” к XIX веку. Этот цвет в одежде выбирают люди действия, часто нетерпеливые, независимые, целеустремленные, сведущие во многих сферах.

Женщина в желтом

  • Амедео Клементе Модильяни “Женщина в желтом жакете” (1909)
  • Стиль: экспрессионизм.
  • Место нахождения работы: частная коллекция.

А. К. Модильяни (итал. Amedeo Clemente Modigliani) (1884 – 1920) – итальянский художник и скульптор, один из самых известных художников конца XIX – начала XX века. Его всегда вдохновляли люди. Он говорил: “Человек — вот, что меня интересует. Человеческое лицо — наивысшее создание природы. Для меня это неисчерпаемый источник. ” Его “Женщина в жёлтом жакете” современна, наполнена символизмом, чувством радости к жизни, патетическим переживанием действительности, которое художник перенес на холст. Возвращаясь к трактовке цвета, изображенная женщина – искательница счастья, ведущая активный образ жизни. А как же иначе? В этом весь Модильяни!

Женщина в зеленом

  • Кес ван Донген “Женщина в зелёном трико”
  • Стиль: фовизм.
  • Место нахождения работы: частная коллекция.

Кес ван Донген (нидерл. Kees van Dongen; настоящее имя нидерл. Cornelis Theodorus Maria van Dongen) (1877 – 1968) – известный голландский художник. Его работы высоко ценятся среди частных коллекционеров, готовых приобретать полотна за миллионы долларов. Например, картина “Женщина в зеленом трико” на торгах “Кристи’с” была куплена за 1,1 миллиона фунтов. Насыщенный зеленый, с подчеркнуто энергичным контуром, без светотеней и проработок деталей, придает портрету особую декоративность. Женщина в зеленом – гуманист, тонко чувствующий реальность, склонный наблюдать, а не действовать. Вот так, взирая из-под маски с полотна ван Донгена, она и ныне остается загадкой, не раскрывшей своего лица.

Женщина в голубом

  • Томас Гейнсборо “Дама в голубом” (“Портрет герцогини де Бофор”)
  • Стиль: реализм.
  • Место нахождения работы: Государственный Эрмитаж в Санкт-Петербурге.

Т. Гейнсборо (англ. Thomas Gainsborough) (1727 – 1788) – знаменитый английский живописец, график, портретист. Его “Дама в голубом” – единственная картина Гейнсборо в нашей стране. Нюансы цветовых переходов, перламутровый блеск, внутренний свет, легкая и тонкая манера письма – все это передает зрителю ощущение поэтической одухотворенности героини холста. Гейнсборо умело использовал психосемантику цвета: “Дама в голубом” изящна, легка, утонченна, находится в атмосфере умиротворения. Дамы, предпочитающие этот цвет – тонкие, чувствительные натуры, с развитым воображением.

Женщина в синем

  • Анри Матисс “Молодая женщина в синей блузе” (Портрет Л.Н. Делекторской) (1939)
  • Стиль: фовизм.
  • Место нахождения работы: Государственный Эрмитаж в Санкт-Петербурге.

Анри Матисс (фр. Henri Matisse) (1869 – 1954) – один из самых известных французских художников, лидер течения фовистов (от фр. fauve – дикий). Цветовые изыскания Матисса, его тяга к лапидарности, передаче эмоций через цвет и форму отразились и в работе “Молодая женщина в синей блузе”. Здесь присутствует чистота локального цвета, резкость линий лица, контрастность, создающие ощущение свободы и открытости личности. Известно, что Матисс придавал большое значение символике цвета, поэтому вдвойне интереснее раскрывать сущность синего. Этот цвет в одежде предпочитают умные, независимые и ответственные люди, стремящиеся к спокойствию и размеренному ритму жизни.

Женщина в фиолетовом

  • Николай Иванович Фешин “Девушка в фиолетовом платье” (“Портрет П.В. Фешиной”) (конец 1920-х – начало 1930-х).
  • Стиль: импрессионизм.
  • Место нахождения работы: частная коллекция.

Николай Иванович Фешин (1881 – 1955) – художник, известный в Америке как “старый” мастер и даже “художник художников”. Однако в России о нем упоминают лишь в творческой среде. При этом стоимость некоторых картин И. И. Фешина достигает нескольких миллионов евро. Художник говорил: “Цель мастера живописца заключается не в бессознательном загромождении холста материалами, а в разумной экономии их… Об ограниченной палитре необходимо особенно помнить начинающим, ибо, чем меньше красок, тем больше пищи разуму в работе”. Поэтому смело можно утверждать, что выбор цвета для портрета “Девушка в фиолетовом платье” не случаен. Люди, предпочитающие этот цвет чувствительны, порой уязвимы, милосердны, обладают прекрасной интуицией. На мой взгляд, героиня Фешина – творческая натура, обладающая сильной энергетикой и пытливым умом.

Женщина в черном

  • Пьер Огюст Ренуар “Женщина в черном” (1876)
  • Стиль: импрессионизм.
  • Место нахождения работы: Государственный Эрмитаж в Санкт-Петербурге.

Пьер Огюст Ренуар (фр. Pierre-Auguste Renoir) (1841 – 1919) – известный на весь мир французский живописец, один из представителей течения “импрессионизм”. Глядя на его работы сложно поверить, что судьба художника оказалась трагичной. Ренуар, практически парализованный артритом, превознемогая боль, продолжал писать. История гласит, что однажды, наблюдая за тем, с какой болью даётся ему каждый мазок кисти, Матисс не выдержал и спросил: “Огюст, почему вы не оставите живопись, вы же так страдаете?” Ренуар ограничился лишь ответом: “Боль проходит, а красота остается” (“La douleur passe, la beauté reste“). Мягкая и пластичная манера письма создает тонкий и чувственный образ женщины в черном. Классический черный выбирают люди уверенные в себе, авторитетные, стремящиеся к внутреннему самоконтролю. Однако такой выбор цвета может говорить о том, что человек пытается отстраниться от окружающих, дистанцироваться.

Женщина в белом

  • Фрида Кало “Портрет женщины в белом” (1930)
  • Стиль: наивное искусство (Примитивизм).
  • Место нахождения работы: частная коллекция в Берлине, Германия.

Фрида Кало (исп. Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón) (1907 – 1954) – легендарная мексиканская художница, ставшая национальной героиней на родине. Ныне стоимость ее картин исчисляется миллионами долларов. Работы, выполненные в манере традиционного мексиканского искусства, отличает влияние европейской живописи. Полотна Фриды насыщены символами и фетишами, а фрагменты ее картин становятся в наше время модными принтами. “Портрет женщины в белом” наполнен чистотой и внутренней гармонией, что подчеркивает практически полная симметрия. Белый цвет в одежде предпочитают люди, обладающие врожденным чувством справедливости, стремящиеся к равновесию, согласию с миром, желающие очаровывать. Для них важно быть понятыми и принятыми обществом.

Даже знаменитые художники в своих полотнах для усиления выразительности использовали символику цвета. Почему бы не перенять их опыт, создавая образы в повседневной жизни?

А какие еще известные женские портреты, образ которых усилен цветом, вспоминаются вам? Если бы художник предложил написать ваш портрет, одежду какого цвета бы вы предпочли?

Ссылка на основную публикацию