Мода XVII века для женщин и девочек в портретах Уильяма Ларкина

Мода XVII века для женщин и девочек в портретах Уильяма Ларкина

Войти

Журнал мод конца 16 – начала 17 веков

Конечно, ни в 16 веке, ни в 17 не было и не могло быть никаких журналов мод, но если бы они были, Уильям Ларкин был бы самым востребованным иллюстратором таких журналов (портреты леди Энн Клиффорд и ее первого мужа Ричарда Саквилла, 3-го графа Дорсет из предыдущего поста написаны им). Никто лучше Ларкина не мог продемонстрировать платья на своих моделях, показать фактуру ткани, рисунок, насыщенные цвета, нежность кружева и блеск украшений.

Портреты сестер-двойняшек Анны и Дианы Сесил. В те времена было модно братьям и сестрам одеваться в одинаковые наряды.

Портреты елизаветинской эпохи были довольно однообразными. Статичные позы, зажатый в руке платок, кресло, на которое опирается другая рука, шторы в качестве фона. Ларкин в своих портретах не отходил от тюдоровского стандарта, но более нежная прорисовка лиц и просто фантастическое изображение тканей делают его портреты необыкновенно притягательными.

Фрагмент портрета Дианы Сесил

Моделями Ларкина никогда не были особы королевского двора, зато портреты именитых дам и кавалеров той эпохи (авторство которых доказано) насчитывается более четырех десятков.
Свои картины Ларкин создавал на двойном грунте. Первый слой состоял из водорастворимого мела, связанного клеем, второй слой был свинцово-белой масляной грунтовкой. Палитра красок Ларкина была довольно традиционной для того времени. Художник использовал мел, свинец, олово, углекислую медь, киноварь, органические пигменты, азурит, ультрамарин, смальту, слоновую кость, древесный угол и прочие ингридиенты. Картины известных мастеров прошлого – это отчасти коллективный труд. Краски помогали составлять подмастерья (хотя многие художники составляли краски сами), дорисовывать незначительные детали доверялось ученикам, но все равно каждая такая картина – колоссальный труд.
Даже работая с одними и теми же ингридиентами, краски у художников получались разными, у Ларкина краски были особенно яркими и прозрачными.
Ларкин в своих работах не использовал позолоту или сусальное золото, он создавал металлический блеск с помощью обычных красок. Его золото состоит из трех слоев краски: коричневой, оранжевой и желтой, для серебра он использовал серую, светло-серую и белую краски.
Вышивка на ткани обычно состоит из 7-8 слоев краски. Специалисты могут определить по “почерку” какие из завитушек на ткани принадлежат Ларкину, а какие его ученикам.

По портретам Ларкина можно изучать моду того времени. Так, на сестрах Сесил платья, мода на которые была недолгой (по сути “дырявые” платья этих леди – прародители дырявых панковыских джинсов). Эти разрезы на юбках, раскрываясь, должны были демонстрировать ее богатую подкладку. Зигзагообразные разрезы делали через равные промежутки между золотой вышивкой

Сведения о красках и платье Дианы Сесил взяты из блога британской художницы и искусствоведа Sophie Ploeg

Глядя на эти платья, создается впечатление, что это чудо портновского искусства, но на самом деле это не совсем так. Юбки, рукава и другие детали, как правило, были закреплены между собой на живую нитку или скреплялись уже на теле. Это давало возможность носить лиф с рукавами или без и облегчало трудоемкую задачу одевания и раздевания. Художники не акцентировали внимание зрителя на пошиве платья, расположении и количестве складок или воланов, они старались добиться реалистичности в изображении шелка или кружева, на которые были потрачены огромные деньги и которые подчеркивали статус хозяйки платья. В современном эквиваленте платье Дианы Сесил стоит столько, сколько сейчас феррари. Сам портрет стоил гораздо дешевле платья и ткани, из которой было оно пошито. Ткань была инструментом для демонстрации богатства. Шелк привозили из Италии, бархат был самой дорогой тканью, а тонкое белое белье импортировали из Нидерландов, все это стоило очень дорого.

Деталь женского платья

Деталь мужского костюма

Так же обстоит дело с кружевом. Кружево появилось в 16 веке в Европе, но оно стало популярным только к концу века, а высокой модой – с начала 17 века. В Англии кружева не были особо популярными до тех пор, пока Елизавета I не ввела их в моду. Существовало два вида кружев: игольное кружево и кружево, сделанное на коклюшках. Игольное кружево было дороже, поэтому на портретах изображали игольное кружево, чтобы показать богатство заказчицы. В 17 веке различия в ценах кружева исчезли, а иногда кружево на коклюшках было дороже игольного.
В Англии начала 17 века было модно желтое кружево, которое, как говорят, было изготовлено Энн Тернер, придворной дамой леди Сомерсет, но после дела об убийстве, в котором были замешаны и леди Сомерсет и ее придворная дама, желтое кружево вышло из моды (еще одна история, достойная сериала).

Портрет леди Сомерсет работы Уильяма Ларкина

О жизни Уильяма Ларкина известно немного.
Родился будущий художник в 1580 году в Лондоне. В 1606 году он вступил в гильдию художников. Уильям Ларкин был женат. Сын художника родился мертворожденным, одна дочь умерла в младенчестве, другая, Мэри, пережила отца. Умер художник в 1619 году, но точная дата его захоронения не известна, поскольку Большой пожар 1666 года в Лондоне уничтожил все записи.
Удивительно, но до 1952 года Ларкин был в основном неизвестным художником, которого называли “мастером занавеса”. В 1952 году историк архитектуры Джеймс Лис Милн нашел недостающие элементы, по которым смог доказать принадлежность нескольких картин Лапркину. Позже другой исследователь обосновал принадлежность других портретов кисти Ларкина.
Искусствоведы говорят, что живопись Ларкина подводит черту под традицией елизаветинского стиля портретной одежды. После Ларкина начинается эра таких художников, как Ван Дейк. В новом стиле появляется живость и реалистичность фигур, но к сожалению уходит великолепие цвета, дотошность деталей и потрясающее богатство тюдоровских портретов.

Картины Ларкина, действительно, похожи на современные журналы мод: красивые, стройные модели, последний писк моды в одежде, богатые аксессуары и яркий глянец страниц.

Полистаем глянцевые страницы. Начнем с детской моды

Портрет ребенка в красном платье с золотой вышивкой и кружевным воротником

Портрет маленькой девочки, предположительно леди Во

Три маленькие аристократки. В руках одной их девочек кукла, одетая по моде того времени

Портрет юной девушки

Одним из лучших “текстильных” портретов Ларкина считается портрет Ричарда Саквилла, 3-го графа Дорсет (мужа леди Энн Клифорд).

Вас никогда не интересовал вопрос: как все эти прекрасные дамы и кавалеры умудрялись не выглядеть замарашками? Как они смывали капли соуса после пира или пятна кабаньей крови после охоты? Чем убирали жирные пятна с корсажа прекрасной Екатерина Медичи? Конечно, они не были чистюлями, и запах духов лишь отбивал на время запах немытого тела, но можно ли представить одну из сестер Сесил на балу в платье с грязным пятном? А когда кавалер в проливной дождь бросал свою мантию под ноги королеве, неужели потом он выбрасывал ее в первую попавшуюся канаву? Зная, сколько стоили ткани в то время и изделия из них, можно не сомневаться, что такие платья и плащи не выбрасывали, как использованные бумажные салфетки. Значит, одежду стирали, пусть и не часто, и использовали какие-то пятновыводители.
Перечень моющих средств тех времен довольно обширен. Среди них бычья желчь, мозговые кости, разложившаяся моча, свиной и овечий помет, яичные желтки, кипящее молоко, ключевая вода, селитра, мед, отруби, глина, зола, дрожжи, бобовая мука и прочее. Оказывается, чтобы вымыть, допустим, плащ рыцаря, его (плащ, конечно) топтали ногами в чанах, добавляя к воде разложившуюся мочу животных (которая содержит аммиак и заставляет воду пениться).
Издавна использовали глину, которая собирала с одежды пыль и грязь. Глина эта называлась сукновальной. В античные времена часто после такой чистки одежду причесывали шкуркой ежа.
Самым ходовым средством от уличной грязи был раствор бычьей желчи в кипятке. А когда ткань высыхала, на нее высыпали тонкий песок, били палкой, терли щеткой. Под конец проводили по ткани мягкой щеткой, смоченной оливковым маслом, чтобы вернуть ткани первоначальный блеск.
А как стирали все эти хитроумные платья? Оказывается, их полностью распарывали перед тем, как погрузить в воду. Каждую часть стирали отдельно и прикрепляли к доске, чтобы при сушке ткань не деформировалась. А потом одежду снова сшивали. Разумеется, вручную.
Мыло изобрели галлы. В растопленный козий жир они клали золу определенных пород деревьев. Впрочем, сначала мыло использовали как помаду для волос или как лечебное снадобье. Когда же научились делать его твердым, добавляя в конце варки поваренную соль, вот тогда мыло стали использовать для стирки. Однако им не стирали дорогие ткани – шелк, бархат, парчу. Дорогие ткани в те времена стирали растениями типа мыльнянки. Корни, кора или плоды этих растений выделяют жидкость, которая пенится при контакте с водой. Отвары мыльнянки неплохо снимают пятна с шелков и не разрушают краски. Обычная мыльнянка растет в диком виде в низинах, канавах, вдоль ручьев и рек по всей Европе.

Татьяны до и после Пушкина: портреты трех веков

С читается, что популярным имя Татьяна стало после публикации романа «Евгений Онегин». Однако и до этого в дворянской среде это имя не было редкостью. Вспоминаем портреты Татьян с XVIII по ХХ век вместе с Софьей Багдасаровой.

Девочек из рода Романовых крестили Татьянами еще в XVII веке: например, так звали сестру первого царя Михаила Федоровича и его младшую дочь. Потом это имя из царской династии исчезло, и следующая Татьяна появилась в императорской семье в 1890-х годах. Однако в дворянских семьях XVII и XVIII века имя оставалось популярным. Одна из самых известных Татьян — Татьяна Шувалова. Ее сын, фаворит императрицы Елизаветы Иван Шувалов, выбрал день именин матери для того, чтобы подписать указ об основании Московского университета. Так Татьянин день стал Днем студента. Портрета Татьяны Шуваловой не сохранилось.

Старейшим русским портретом с Татьяной, видимо, стал семейный портрет Нарышкиных 1710-х годов. На нем изображена дочь первого коменданта Петербурга, московского губернатора Кирилла Нарышкина с матерью и сестрой. Неизвестный художник не очень тонко проработал лица, но тщательно выписал узоры на ткани и модный кружевной фонтанж (головной убор) матери.

Писать портрет дочери князя Бориса Куракина — и племянницы царицы Евдокии Лопухиной — пригласили придворного художника прусского короля Антуана Пэна. Директор Берлинской академии художеств в традициях классицизма проработал светотени, складки одежды и даже передал тончайшие переливы дорогой ткани на плечах княжны Татьяны Куракиной.

Княгиня Татьяна Трубецкая — сестра поэта Федора Козловского — на портрете 1761 года выглядит ярко: художник Алексей Антропов изобразил ее в наряде, украшенном красными и зелеными бантами и цветами. Княгиня при полном макияже: в те годы было модно не только пудриться, но и наносить румяна, подводить брови.

Через двадцать лет Дмитрий Левицкий написал Татьяну Разнатовскую. Молодая женщина с горделивой осанкой выглядит благородно и изысканно. Ее светло-голубое платье и белая шелковая накидка контрастируют с темным глубоким фоном в живописных традициях тех лет.

Одна из богатейших женщин России — племянница князя Потемкина Татьяна Энгельгардт вышла замуж за одного из Юсуповых и принесла в их семью гигантское состояние и наследственное имя Татьяна. На портрете кисти заезжей французской портретистки Виже-Лебрён Татьяна Энгельгардт плетет венок из роз и одета уже по новой моде — в платье с высокой талией.

Исследователи считают, что среди крестьян имя Татьяна в XVIII–XIX веках было в три раза популярнее, чем у дворян. Крепостной художник Шереметевых Николай Аргунов изобразил крестьянку Татьяну Шлыкову — актрису крепостного театра — в элегантном сценическом костюме. Позже граф подобрал своим красавицам-актрисам «драгоценные» фамилии. Шлыкова стала Гранатовой, а ее «коллеги» — Жемчуговой и Бирюзовой.

Среди увековеченных на полотнах Татьян есть и другие актрисы. В 1818 году Василий Тропинин изобразил юную танцовщицу Карпакову. Ее родители играли в Императорских театрах, а сама она с детства увлекалась балетом. Татьяна Карпакова танцевала на сцене Большого театра с 12 лет, современники восхищались ее выразительной мимикой, легкостью танца и безупречной техникой.

В том же году был создан портрет княгини Татьяны Голицыной. Невестка Натальи Голицыной, прототипа пушкинской Пиковой дамы, изображена в черном берете. В первой трети XIX века эти головные уборы традиционно носили замужние дамы. Правда, чаще модницы предпочитали яркие цвета — малиновый, зеленый, алый.

На акварели Александра Брюллова 1830-х годов изображена Татьяна Потемкина. На ней модель одета в наряд, который укрывает не только плечи, но и шею, уши и волосы княгини: Потемкина была очень религиозной. Став духовной дочерью святителя Игнатия (Брянчанинова), она заботилась о распространении православия, строила храмы, отдавала огромные деньги на благотворительность и, разумеется, не позволяла себе носить декольте.

В 1825–1837 годах частями публиковался «Евгений Онегин» Александра Пушкина. Татьяна Ларина стала «первой Татьяной» русской литературы — до этого писатели предпочитали другие имена. После выхода романа имя стало гораздо популярнее — многие называли своих дочерей в честь романтичной и добродетельной героини Пушкина.

Читайте также:  Контурный карандаш для глаз – история и состав

Но портретов Татьян этих лет сохранилось не так уж много. Среди них — полотно, на котором модный портретист Франц Ксавер Винтерхальтер изобразил Татьяну Юсупову. Героиня портрета унаследовала его от бабушки Татьяны Энгельгардт, так же Юсупова назвала и одну из своих дочерей.

Портреты дочерей Льва Толстого и Анатолия Мамонтова созданы в 1880–90-х годах, их написали Илья Репин и Виктор Васнецов. В эти годы портретов Татьян написано гораздо больше: живопись стала более доступной, фамильные портреты заказывали теперь не только дворяне. Тогда же имя впервые с 1636 года вернули в именослов царствующей семьи: в 1890 и 1897 году им крестят своих новорожденных дочерей два больших поклонника Пушкина — великий князь Константин Константинович и император Николай II.

К началу ХХ века в Москве и Московской губернии имя Татьяна стало пятым по популярности после Марии, Анны, Екатерины и Александры.

Портрет одной из Татьян принадлежит и кисти Михаила Врубеля. Оперная певица Татьяна Любатович изображена в роли Кармен — в начале ХХ века это был очень популярный образ среди художников и героинь их полотен.

В 1908 году саратовский художник Александр Савинов написал полотно «Арфистка». Его героиней стала жена известного философа Семена Франка Татьяна Франк (в девичестве — Барцева). Орнаментальный портрет с фактурным тоном и приглушенными красками Савинов создал в традициях набирающего силу нового стиля — модернизма.

В этом артистичном кружке Татьян примечателен «Портрет артистки Татьяны Чижовой», его Борис Кустодиев написал в 1924 году. В названии картины — неточность. После смерти Кустодиева портрет передали в Русский музей, и сокращение в подписи «арх.» расшифровали как «артистка». На самом деле Татьяна Чижова была археологом. На портрете она изображена в любимом платье и с бабушкиным перстнем на пальце.

Образ прекрасных женщин в картинах великих художников

Женщина — с нами, когда мы рождаемся,
Женщина — с нами в последний наш час.
Женщина — знамя, когда мы сражаемся,
Женщина — радость раскрывшихся глаз.
Первая наша влюбленность и счастие,
В лучшем стремлении — первый привет.
В битве за право — огонь соучастия,
Женщина — музыка. Женщина — свет.

Константин Бальмонт.
Накануне самого красивого и нежного праздника в году, 8 Марта, предлагаю полюбоваться небольшой подборкой картин великих художников с изображением прекрасных женщин. Приятного просмотра!

«Весна» Генриетта Эмма Ратклифф Рае

«Молодая женщина, читающая у окна» Дельфин Анжольра.

«Утреннее солнце» Паулин Палмер.

«Восточная женщина с сигаретой» Дельфин Анжольра.

«В ожидании его возвращения» Даниель Ф. Герхартц.

«Итальянский полдень» Брюллов Карл.

«Полуденное солнце» Джозеф Милнер Кайт.

«Её письменный стол» Дельфин Анжольра.

«Чтение в будуаре» Дельфин Анжольра.

«Зимнее солнце» Даниель Ф. Герхартц.

«Сирень» Даниель Ф. Герхартц.

«Портрет девочки» Фешин Николай Иванович.

«Весна в степи» (портрет А.Н. Фешиной) Фешин Николай Иванович.

«Бабушкины сказки» Максимов Виталий.

«Девушка с горшком роз» Тропинин Василий Андреевич.

«Девушка со свечой» Тропинин Василий Андреевич.

«Золотошвейка» Тропинин Василий Андреевич.

«Кружевница» Тропинин Василий Андреевич.

«Женщина в окне (казначейша)» Тропинин Василий Андреевич.

«Алёнушка» Виктор Васнецов.

«Светлана» Новосельцев Александр.

«Девичник» Алексей Корзухин.

«Девушка в платке» Венецианов Алексей.

«Крестьянка с васильками» Венецианов Алексей.

«Молодая чаровница» Богданов-Бельский Николай Петрович.

«Луговые цветы» Куликов Иван Семёнович.

«Боярышня» Маковский Константин Егорович.

«Боярышня у окна» Маковский Константин Егорович.

«Девушка в костюме Флоры» Маковский Константин Егорович.

«Девушка в боярской одежде» Маковский Константин Егорович.

«Девушка в национальном костюме» Маковский Константин Егорович.

«За чаем» Маковский Константин Егорович.

«За прялкой» Маковский Константин Егорович.

«Русская красавица» Маковский Константин Егорович.

«Русская красавица в кокошнике» Маковский Константин Егорович.

«Русская красавица» Харламов Алексей Алексеевич.

«Девушка, пускающая мыльные пузыри» Харламов Алексей Алексеевич.

«Сёстры» Харламов Алексей Алексеевич.

«Прелесть» Харламов Алексей Алексеевич.

«Портрет девушки» Харламов Алексей Алексеевич.

«Портрет девушки на жёлтом фоне» Харламов Алексей Алексеевич.

«Мать и дочь» Харламов Алексей Алексеевич.

«Маленькие цветочницы» Харламов Алексей Алексеевич.

«Компановка» Харламов Алексей Алексеевич.

«Занятие чтением молодой дамы» Харламов Алексей Алексеевич.

«Цыганская девушка с цветами» Харламов Алексей Алексеевич.

«Купальщицы» Тихов Виталий Гаврилович.

«Купальщицы» Тихов Виталий Гаврилович.

«Портрет обнажённой» Тихов Виталий Гаврилович.

Секреты бабушкиного сундука.

Секреты бабушкиного сундука.

Мода 18 века. Панье- (1730-1775)

Мода 18 века. Панье- (1730-1775)

NATTIER, Jean-Marc-Portrait of Madame Maria Zeffirina
1751

LOO, Carle van
Portrait of Marie Leszczynska, Queen of France
c. 1748

Здесь многие картинки знакомы практически каждому, кто изучал историю костюма. Я постаралась найти их в хорошем качестве, так как это- один из самых красивых периодов в костюме и искусстве шитья.

В 18 веке Франция становится не только центром европейской культуры, но и почти единственным создателем новых форм костюма.

Если стиль барокко налагал на все печать величавости, помпезности, то стиль рококо, наоборот,- принес воздушность, изящество и легкость, хрупкость и изнеженность. Возникнув во Франции, рококо получает особое развитие во времена правления короля Людовика XV. Центром формирования моды на долгие годы становится Париж.
Направление в модах теперь диктует интимный салон аристократии, а не вкус короля или королевы. Королевский двор перестал быть единственным распространителем моды и ее законодателем. В салонах собирались знаменитости: музыканты, художники, поэты, литераторы, — которые приковывали теперь внимание всего Парижа, как некогда королевские особы.
Новшества в женском костюме, воплотившие идеалы своего времени, появились в период регентства (1715— 1730). Они основаны на новом использовании тканей и новом обыгрывании каркаса — панье ( по-русски- фижмы):

Madame Henriette, daughter of Louis XV

Панье делалось из ивовых прутьев, китового уса или железных прутьев, обтянутых полотном. Каркас представлял собой конструкцию из обручей.

Это было довольно легкое сооружение, которое от ходьбы упруго колебалось, приводя в движение все платье и открывая на ходу ногу в туфельке на высоком каблуке.

Maria Luisa de Parma

Панье довольно быстро получили распространение, и постепенно они видоизменяются, приобретая различные формы — овальные, круглые и т. д. Самые большие панье при дворе носили только аристократки.
Появляется панье «с локтями», разделенное на две половины. В таких панье легче было двигаться, их можно было приподнимать при прохождении через дверь, положить на них руки, что стало непременным жестом.

Women’s underwear served two purposes in the 18th century. The hoops were also made of linen and stiffened with whalebone or cane. They shaped the petticoat of the gown to the appropriate silhouette. At various times in the 18th century this profile varied from round, to square and flat, to fan-shaped.

1760-1780
Талия становится неимоверно тонкой, грудь, сильно поднятая кверху, почти обнажается.

Stays were an essential item of underwear for women during the 18th century. By the 1780s, the fashionable torso consisted of an inverted cone shape.
Achieving smoothness of profile and firmness of contour were the primary function of 18th-century stays, rather than emphasising the bust or constricting the waist.

Margot distribuant ses paniers (1845)

TOURNIÈRES, Robert
Count Ferdinand Adolf von Plettenberg and his Family
1727
Oil on canvas, 92 x 74 cm
Museum of Fine Arts, Budapest

The Family of Philip V
1743
Oil on canvas, 406 x 511 cm
Museo del Prado, Madrid
LOO, Louis Michel van
French painter (b. 1707, Toulon, d. 1771, Paris)

Madame Elisabeth, Duchess of Parma, daughter of Louis XV-Family

Maria Theresia Familie 1754

Martin van Meytens (1695(1695)–1770(1770)

PESNE, Antoine
French painter (b. 1683, Paris, d. 1757, Berlin)
Self-Portrait with Daughters
1754

Конец 18 века
The Sharp Family by Johann Zoffany-oil on canvas, 1779-1781

Marie Leczinska, Queen of France
1740
TOCQUÉ, Louis
Oil on canvas, 277 x 191 cm
Musйe du Louvre, Paris

Empress Maria Theresa
-MEYTENS, Martin van
Dutch painter (b. 1695, Stockholm, d. 1770, Vienna)
Oil on canvas
Town Hall, Ghent

GAINSBOROUGH, Thomas
Conversation in a Park
c. 1740
Oil on canvas, 73 x 68 cm
Musée du Louvre, Paris

PASCH, Lorentz the Younger
Portrait of Queen Sophie-Magdalene
1773-75
Oil on canvas, 243 x 179 cm
The Hermitage, St. Petersburg

Louise Elisabeth of France, Duchess of Parma, wife of Duke Felipe I. of Parma, daughter of King Louis XV. of France, mother of Isabelle of Parma, Duke Ferdinand I. of Parma and Queen Maria Luisa of Spain, Parma, Galleria Nazionale
Louis-Michel van Loo (1707-1771) e Pietro Melchiorre Ferrari (1735-1787)

LOO, Carle van
Portrait of Marie Leszczynska, Queen of France
c. 1748
Oil on canvas, 224 x 152 cm
Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Florence

Laurent Pécheux (French, 1729–1821)
TitleMaria Luisa of Parma (1751–1819), Later Queen of Spain
Date1765

All Anton Raphael Mengs’s Paintings.
1765
Maria Luisa de Parma

velazquez-
Maria Luisa de Parma

Maria Carolina of Austria
between 1752(1752) and 1770

BOUCHER, François
Portrait of Marquise de Pompadour
1756
Oil on canvas, 201 x 157 cm
Alte Pinakothek, Munich

Платье состояло из плотно облегающего спереди лифа с низким декольте, сильно обнажавшим грудь и шею, исчезающего на спинке в широких складках свободно ниспадающей массы ткани, переходящей в шлейф.
Наряду с парчой вошел в моду более легкий и светлый шелк, а также ситец. Увеличение объема женского костюма сказалось на характере декора тканей- появились ткани в полоску, а также ткани с крупными рисунками с большим раппортом.
Юбка на панье, лежащая на каркасе, почти не имела складок, узкие вверху и расширенных книзу рукава заканчивались несколькими рядами пышных широких кружев. Этот новый женский облик был опоэтизирован в живописном творчестве Антуаном Ватто, поэтому спустя время своеобразный покрой спинки платья 20—50-х гг. получил название “контуш” или «складки Ватто»:

WATTEAU, Jean-Antoine
The Festival of Love
c. 1717
Oil on canvas, 61 x 75 cm
Gemäldegalerie, Dresden

WATTEAU, Jean-Antoine
L’Enseigne de Gersaint (detail)
1720
Oil on canvas
Schloss Charlottenburg, Berlin

WATTEAU, Jean-Antoine
L’Enseigne de Gersaint (detail)
1720
Oil on canvas
Schloss Charlottenburg, Berlin

Declaration of Love, 1731
Jean François de Troy
складки Ватто

BOUCHER, François
Portrait of Marquise de Pompadour
1759
Oil on canvas, 91 x 68 cm
Wallace Collection, London

Повседневный женский костюм не имел громоздких панье. Его юбка поддерживалась волосяным чехлом со слегка расширенными боками. В конце века самым распространенным было платье полонез в многочисленных вариантах- в ткань верхней юбки продергивали шнурок, от чего получались горизонтальные сборки, переходящие в полукруглые драпировки.

Oil on canvas, 167 x 150 cm
Staatliche Museen, Berlin

Marquise de Pompadour
c. 1755
Pastel on seven sheets of blue paper mounted on canvas, 178 x 2136 cm
Musйe du Louvre, Paris
LA TOUR, Maurice Quentin de
French painter (b. 1704, Saint-Quentin, d. 1788, Saint-Quentin)

BOUCHER, François
Madame Boucher (?)
1743
Oil on canvas, 57 x 68 cm
Frick Collection, New York

FRAGONARD, Jean-Honoré
The Musical Contest
c. 1754

FRAGONARD, Jean-Honoré
The Swing
1767

FRAGONARD, Jean-Honoré
The Progress of Love: The Meeting
1773

–В большой моде были пасторальные мотивы—————–

FRANCOIS BOUCHER The Love Letter 1750

BOUCHER, François
An Autumn Pastoral
1749

BOUCHER, François
A Summer Pastoral
1749

Jean Honore Fragonard Shepherdess about 1752

PESNE, Antoine
French painter (b. 1683, Paris, d. 1757, Berlin)

The Dancer Barbara Campanini
c. 1745
Oil on canvas, 221 x 140 cm
Schloss Charlottenburg, Berlin

PESNE, Antoine
French painter (b. 1683, Paris, d. 1757, Berlin)
Marianne Cochois
c. 1750
Oil on canvas, 79 x 107 cm
Schloss Charlottenburg, Berlin
——————————

Madame Victoire, daughter of Louis XV
portrait by Nattier

Madame Adélaïde, Daughter of Louis XV

Madame Louise, Venerable Mother Thérèse de Saint-Augustin, daughter of Louis XV

Madame Sophie, daughter of Louis XV
———————-

VISHNYAKOV, Ivan Yakovlevich
Portrait of S.S. Yakovleva
after 1756
Oil on canvas, 90 x 72 cm
The Hermitage, St. Petersburg

TROY, Jean-François de
Portrait of Louis XV of France and Maria Anna Victoria of Spain
1723
Oil on canvas, 195 x 129 cm
Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Florence

TOCQUÉ, Louis Portrait of Louis, Grand Dauphin of France
1739
Oil on canvas, 80 x 64 cm
The Hermitage, St. Petersburg

Enfants de Charles-Emmanuel III
This picture shows king Charles Emmanuel III’s children. Paint of Maria Giovanni Clémenti (1690-1761). 1730-31

Nattier, Isabella de Parme

Portrait of Sarah Eleonor Fermor. Портрет Сарры Элеоноры Фермор Ivan Vishnyakov
1750

NATTIER, Jean-Marc
French painter (b. 1685, Paris, d. 1766, Paris)
Portrait of Madame Maria Zeffirina
1751
Oil on canvas, 70 x 82 cm
Galleria degli Uffizi, Florence

Читайте также:  Викторианские сапоги – как выглядят и с чем сочетать

ARTIST Mariano Salvador Maella-(1739-1819)
Infanta Carlota Joaquina

1740-1745
This is a magnificent example of English court dress of the mid-18th century. It would have been worn by a woman of aristocratic birth for court events involving the royal family. The style of this mantua was perfectly suited for maximum display of wealth and art; this example contains almost 10lb weight of silver thread worked in an elaborate ‘Tree of Life’ Design.

1740-1745
Court dress’ was an exclusive and very ornate style of clothing worn by the aristocracy, the only people usually invited to attend at Court. The style of the robe is quite old-fashioned, and based on the 17th-century mantua.


An English court mantua


Robe à la française


Robe parée 1780-1790

Свадебное платье
Wedding dress of Edwige Elisabeth Charlotte de Holstein-Gottorp (wife of Prince Karl of Sweden and sister-in-law of King Gustave III of Sweden), 1774

1759-65
This court mantua of the 1750s features the triple-sleeve ruffle also found in fashionable dress. By the 1740s, the mantua was worn only at court, although it continued to evolve slowly in style through the remainder of the 18th century.

The tangled garden of chenille decoration on this court mantua enhances the white silk satin fabric.
1770-1780

Finely petalled rosettes punctuate the fly fringe (braid) adorning this 1760s sack-back gown

1780
This magnificent embroidered panel was intended for a woman’s Court mantua. It shows the high standard of French needlework and the sequence of decorating and sewing up these opulent formal garments. A length of cream silk satin has had the outline of a panel drawn onto it, which has then been decorated to shape

Robe and petticoat, Sack back gown, Dress

Платье для девочки
For a girl: back-fastening with a trained skirt; made of ivory silk hand embroidered with motifs of birds, butterflies, etc in coloured silks; woven and embroidered in China, sewn in England ca. 1760

Fashion doll 1775
Кукла-модель, по их нарядам узнавали о новых фасонах.

Панье практически исчезает:

Jean-Honoré Fragonard (1732(1732)–1806(1806))
Late 1780s

Adélaïde Labille-Guiard (1749(1749)–1803(1803))
Labille-Guiard, Adélaïde – Selfportrait – 1785 Victoire Louise Marie Thérèse de France, dite Madame Victoire (1733-1799)
Year 1788

Adélaïde Labille-Guiard (1749(1749)–1803(1803))
Labille-Guiard, Adélaïde – Selfportrait – 1785
English: Portrait of Madame Adélaïde
Year 1787

The Garter
Jean François de Troy

Сатирическая картинка- модный обувщик
The fashionable shoe-maker trying on an Italian slipper
1784

This pair of elegant women’s shoes, in kid leather, is beautifully decorated with a painted design. The pattern on the toe, with its flower, vertical lines and scalloped edges, resembles Brussels bobbin lace. The latchets would have been fastened with a buckle. In 1767 Lady Mary Coke recorded in her diary that she had bought six pairs of painted shoes from a shop in Brussels.

Очень высокий каблук:

This pair of women’s shoes is notable for their sensuously curving French heels. The style was called ‘Pompadour’ after Madame de Pompadour, mistress of the Louis XV. The heel, placed directly under the instep, made the foot look small.
————
Chopine-“платформы” для защиты от воды и грязи- продолжают носить и в 18 веке; как традиционные, похожие на итальянские, так и на металлической подставке:

chopines from Italy dated 1580-1620.

17th Century Swedish Chopine
—-18 век:

Chopine, possibly 1740s, Venetian, Silk cut velvet with gilt-metal lace trim and linen lining, silk satin ribbon, metallic woven trim, metal nails, wood, and leather, Museum of Fine Arts, Boston. The Elizabeth Day McCormick Collection, Photograph © Museum of Fine Arts, Boston.

Они привязывались лентами или галуном.
1720s-1730s (made)
Pattens were worn to lift the shoe out of the dirt and damp.
These pattens, however, have pointed toes to fit a fashionable woman’s shoe and a depression at the back where a small heel could sit. The shoe would have been fastened into the patten by means of ribbon-laced latchets. All this, and the fact that the latchets are covered in velvet, suggests that the patterns were worn by someone of considerable wealth.

Pair of pattens, early 19th century, Wood, leather, and metal

Age and Folly, or the Beauties.
Published by Sayer & Bennett
Date
1776

The old beau in an extasy

Be not amaz’d Dear Mother – It is indeed your Daughter Anne.
Satire: a farmer’s wife come to town starts back in horror at seeing her daughter dressed as a macaroni with high hair and hat perching on top; her black page boy holds her lap-dog. 1774
Hand-coloured mezzotint

How d’ye like me.

The Macaroni Painter, or Billy Dimple sitting for his Picture
a painter in macaroni dress and hair seated at an easel painting the portrait of a fellow macaroni. 1772

Bob Blunt in Amaze, or Female Fashionable Follies
Satire: a man seated on a bench in a park stares at two women with fashionable macaroni hair pieces, who are accompanied by a lap-dog and a black page boy. 1776
Hand-coloured mezzotint

Затягивание корсета
Tight Lacing, or Fashion before Ease

Мода на страусовые перья и недовольные страусы.
The Feather’d Fair in a Fright

The Feather’d Fair in a Fright

The Appointment overheard and prevented

Miss Dumplin Ducktail and Tittup return’d from watering

Long Thomas and Madle G-d going to the Pantheon in their natural masks

The bum-bailiff outwitted; or the convenience of fashion.

Сатира на “милитаризованные” женские костюмы конца 18 века.
Capt. Jessamy learning the proper discipline of the couch
A young man, in military dress, of elegant and effeminate appearance, sprawls on a sofa, looking towards a young woman (right) who leans towards him. She is of meretricious appearance, and wears the quasi-military riding-dress fashionable at this time in connexion with the militia camps

Карикатуры не успела все выложить- их очень много, но обязательно выложу позже.
Продолжение- мода конца 18 века (переход к платьям без панье) и начала 19- следует.
Еще картинки по 18 веку:

Мода XVII века для женщин и девочек в портретах Уильяма Ларкина

Женская мода второй половины XVII в. менялась чаще, чем мужская, ее законодательницами были многочисленные фаворитки Людовика XIV. Правда, дамскому гардеробу присуща одна общая черта — стремление подчеркнуть (или искусно скрыть) ту часть женского тела, которая у очередной фаворитки была более (менее) привлекательной. Это естественное желание честолюбивой любовницы, пытающейся всеми доступными способами продлить свою власть при королевском дворе.

Женский костюм второй половины XVII в. шили из тяжелых дорогих материалов насыщенных и темных тонов: багряного, вишневого и темно-синего. Гладкие ниспадающие юбки середины столетия разрезают и поднимают на боках. Стала видна не только нижняя юбка, но и подшивка верхней юбки. Жеманницы изобретают кокетливые названия для дамских юбок: верхняя называлась «скромница», вторая — «шалунья», ну а третья, нижняя, — «секретница». Изменился и лиф платья. Он снова стянут китовым усом и так зашнурован, что заставляет женщину принимать едва заметный соблазнительный и изящный наклон вперед.

Возвращается мода на декольте. Почти всегда оно кокетливо прикрывалось черными, белыми, разноцветными, серебряными и золотистыми кружевами ручной тончайшей Работы. Форма и глубина выреза менялись. Все зависело от прихоти очередной фаворитки. Сначала декольте имело форму овала, затем стало приоткрывать плечи и, наконец, к концу XVII в. приобрело вид неглубокого и неширокого квадрата — нововведение последней фаворитки Людовика XIV, умной и деспотичной маркизы Ментенон.
Украшения и богатая отделка костюма располагались в основном спереди (как и в мужском костюме), поскольку придворный этикет требовал в присутствии короля стоять к нему только лицом.

Женщины носили туфли на высоком выгнутом «французском» каблуке с очень узким, заостренным носком. Такие туфли требовали осторожной, плавной походки. Обувь обычно изготовляли из дорогих тканей — бархата и парчи, так как большая часть жизни знатных дам проходила в помещении, а поездки совершали в каретах, либо дам переносили в портшезах.
К низу корсажа с правой стороны дамы; прикрепляли ленты или цепочки, а на них подвешивали необходимые для модной женщины аксессуары: зеркало, веер, флакончик с духами и т.д. Новой деталью женского костюма середины века была съемная распашная юбка со шлейфом, имевшая не только декоративное, но и престижное значение — длина шлейфа зависела от знатности происхождения. Если требовали обстоятельства и этикет, шлейф носили пажи. Особо престижно было иметь пажей — негритят.

Домашняя одежда в это время для женщин стала совершенно необходимой, так как хотя бы временно избавляла их от тяжелых выходных платьев. Стало модно принимать посетителей во время утреннего туалета в полупрозрачном пеньюаре, цветных тонких шелковых чулках.

Косметику применяли сверх меры, причем особенной популярностью пользовались черные мушки, которые дамы наклеивали на лицо, шею, грудь и другие интимные места. Мушки из черной шелковой ткани обычно представляли собой разнообразные геометрические фигуры или изображали сценки, порой весьма двусмысленные. Каждая мушка имела свое символическое значение. Так, мушка над губой обозначала кокетство, на лбу — величественность, в углу глаза — страстность.

Иногда случайность становилась модной закономерностью: как-то в 1676 г. принцесса Елизавета Шарлота Лалатинская, супруга герцога Филиппа Орлеанского, страдая от холода в королевском дворце, накинула на плечи полосу соболей. Неожиданное и эффектное сочетание меха и нежной женской кожи тоже понравилось придворным дамам, что мода в» прямые полоски меха, украшавшие плечи, они получили название палантин (фр. palatine) — быстро распространилась во Франции, а затем и в Европе. В это время также появляются специальные дамские костюмы для верховой езды: длинная юбка, короткий кафтан и небольшая кокетливая треуголка.

В число модных аксессуаров как женских, так и мужских, входили — пояса, украшенные драгоценными камнями, золотой и серебряной бахромой; широкие перевязи, с начала века, опустившиеся с бедра до уровня колена; щегольская трость с набалдашником; часы в виде луковиц; веера; флаконы с духами; нюхательные соли; длинные курительные трубки; косметические коробочки; пуговицы к костюмам (шелковые, серебряные, оловянные и медные); бахрома (шелковая и серебряная); шелковые зонтики с бахромой от дождя и солнца; маски и полумаски; перчатки (суконные с подкладкой, кожаные и шерстяные), обязательно пропитанные дорогими духами и украшенные лентами и кружевами; подвязки; шейные платки и пряжки к ботинкам (обычно серебряные).

Начиная со времен Людовика XIV, о Французской моде уже можно говорить как о мировой. «Версальскому диктату» охотно подчиняются все. Происходит почти полное «офранцуживание», а точнее «опаризьенивание» (от слова Париж) Европы. Французская Мода не только стирает национальные различия — она постепенно сближает и внешний вид отдельных сословий.

Princess Eleonore of Pfalz-Neuburg, the later Empress of Austria

Mary of Modena, 2nd wife of James II
1680

Dorothy Mason, Lady Brownlow

Manteau, ca. 1685-90 Contemporary fashion plate by Bonnard

Фонтанж (фр. fontange) — дамская высокая причёска эпохи Людовика XIV и одноимённый чепец, состоящий из ряда накрахмаленных кружев. Укреплялся при помощи шпилек и проволочных конструкций. [www.wikipedia.org]

Женщины носили сложные, высокие (до 50-60 сантиметров) прически, поддерживаемые проволокой; с прически ниспадали богатые кружева. Одна из наиболее модных причесок того времени называлась, а ля Фонтанж, в честь фаворитки Короля-Солнца. Она удержалась в моде до смерти Людовика XIV.
Мария Анжелика де Скорайлль де Рувилль-Фонтанж была дочерью небогатого дворянина. Безукоризненная белокурая красавица с прелестными голубыми глазами, девица Фонтанж пленила короля молодостью, свежестью, но уж никак не умом, весьма ограниченным. Предыдущая фаворитка Людовика XIV называла ее прекрасной. статуей — столь восхитительны были формы Фонтанж. Именно она ввела в моду прическу, сохранившую ее имя от забвения.
Как-то в 1680 г. на охоте в лесах Фонтенбло красавица, скача на коне, растрепала волосы о ветку векового дуба и, чтобы поправить прическу, кокетливо обвязала голову. подвязкой от чулок. Эта незатейливая прическа очаровала короля, и он просил свою возлюбленную не носить иной. Уже на следующий день в надежде заслужить благосклонность короля ее примеру последовали придворные дамы, и прическа, а ля Фонтанж вошла в моду на 30 лет.
Судьба Фонтанж трагична. Когда беременность обезобразила прелестное личико красавицы, пресыщенный плотскими наслаждениями Людовик XIV оставил ее, приблизив очередную фаворитку. Вскоре, 21 июня 1681 г., когда-то ослепительная красавица Фонтанж скончалась. Рожденный ею незадолго до смерти ребенок — плод любовных утех Короля-Солнца — прожил несколько дней.
Такие сооружения уже приходилось поддерживать каркасом. В Россию мода на фонтанжи пришла только в середине 90-х годов XVII века, хотя носили его преимущественно жёны и дочери иностранцев. Царь Пётр I, жадный до всех западных новинок, не мог оставить без внимания и это странное сооружение из жёстких кружев, украшавшее волосы курфюрстины Ганноверской.

Читайте также:  Крем для кожи в истории косметики и красоты

В 1700 году жена первого санкт-петербургского коменданта, которая должна была строго следовать моде (согласно указу о ношении европейского платья), одной из первых надела модное головное украшение. Картины и гравюры того времени — наглядные свидетельства того, сколь был популярен фонтанж в России. Разумеется, тон здесь задавала новая супруга Петра — лифляндка Марта Скавронская, она же — матушка — императрица Екатерина. В письме к любящему Петру, императрица конкретно упоминает «кружива на фантаж», кои просит привезти из Парижа. Впервые же фонтанж упоминается в описи имущества царевны Натальи, родной сестры Петра.

Случай заставил европейских красавиц навсегда отказаться от фонтанжа. В 1713 году, на торжественном приёме в Версале английская подданная, герцогиня Шрусбери, предстала перед Людовиком XIV без фонтанжа, с гладко зачесанными волосами. Судьба фонтанжа была решена. В моду тут же вошла маленькая, гладкая причёска с рядами ниспадающих на плечи локонов. Эта мода на маленькие причёски сохранялась очень долго — практически на протяжении всей последующей эпохи — рококо. В России мода на фонтанж держалась несколько дольше — до середины 20-х годов XVIII века. Правда, носили его, по преимуществу, пожилые дамы.

Portrait of Mary II of England in a fontange headdress
c.1690
Godfrey Kneller

Marie Angélique de Scoraille de Roussille, duchesse de Fontanges (1661-1681)

Как в реальности выглядели 14 женщин с полотен великих художников

Ребята, мы вкладываем душу в AdMe.ru. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Пабло Пикассо писал портреты своей жены, русской балерины Ольги Хохловой на протяжении 17 лет. В начале их истории любви художник изображал Ольгу реалистично, но к моменту распада брака Пикассо все чаще начал обращаться к стилистике сюрреализма, поэтому не сразу можно догадаться, что на портрете, написанном в позднее время, та же самая женщина. Как и в случае с Пикассо, натурщицами великих художников были возлюбленные, музы, жены. Как выглядели в реальности эти женщины, чем они занимались и как сложились их судьбы?

AdMe.ru сравнил фотографии женщин, которые позировали знаменитым художникам, с тем, какими они предстают на портретах кисти живописцев. В некоторых случаях контраст настолько значителен, что не может не впечатлять. В конце статьи вас ждет бонус: вы узнаете, как видел свою модель и возлюбленную скульптор Огюст Роден.

Адель Блох-Бауэр, модель Густава Климта

Адель Блох-Бауэр родилась в респектабельной буржуазной семье, ее отец был генеральным директором Венского банковского союза. В 18 лет она вышла замуж за ценителя искусства и сахарозаводчика Фердинанда Блох-Бауэра, который был значительно старше нее. Адель позировала для четырех знаковых картин Густава Климта. Самой знаменитой из них стал “Портрет Адели Блох-Бауэр I” (справа). Картина также известна под названиями “Золотая Адель” или “Австрийская Мона Лиза”.

С портретом связана интересная история: муж Адель был уверен, что между Климтом и его женой есть любовная связь. Чтобы художник быстрее охладел к своей музе, Блох-Бауэр заказал ему портрет жены, надеясь на то, что, часто находясь рядом с Климтом, она тому быстро надоест. Художник работал над картиной 4 года, создав около 100 эскизов к портрету. И если его и связывали с Адель какие-то отношения, то за это время они действительно сошли на нет.

Жанна Эбютерн, модель Амедео Модильяни

Жанна обучалась в Академии Коларосси — частной художественной школе. Там она познакомилась с итальянским художником Амедео Модильяни, который выбирал моделей среди учеников академии. Вскоре между ними начался роман. Жанна переехала к Модильяни и стала главной темой его живописи — художник написал около 25 ее портретов. У пары родилась дочь, которую назвали так же — Жанной.

Модильяни, страдавший туберкулезным менингитом, умер в 35 лет в январе 1920 года. Жанна Эбютерн, которая на тот момент вынашивала их второго ребенка, обезумев от горя, покончила с собой на следующий день после смерти возлюбленного. Дочь Амедео и Жанны взяла на воспитание и вырастила сестра художника.

Вера Мамонтова, позировала для ряда русских художников

Моделью для картины Валентина Серова «Девочка с персиками» стала Вера Мамонтова — дочь богатого мецената Саввы Мамонтова. Однажды Вера вернулась домой с прогулки и села за стол, держа в руках персик из собственного сада. Там находились ее родители и гостивший в имении художник Валентин Серов. На протяжении следующих 2 месяцев 12-летняя девочка ежедневно помногу часов позировала для картины, которая впоследствии стала знаменитой.

Веру Мамонтову также писали Виктор Васнецов (ее образ фигурирует на полотне «Аленушка»), Михаил Врубель и Николай Кузнецов.

Сюзанна Валадон, натурщица Огюста Ренуара, Анри де Тулуз-Лотрека и других

Дочь незамужней прачки, французская художница Сюзанна Валадон была первой женщиной, принятой во французский Союз художников. Она работала натурщицей у многих известных живописцев, в числе которых Анри де Тулуз-Лотрек, Эдгар Дега и Пьер Огюст Ренуар, который изобразил ее на двух картинах «танцевальной серии»: «Танец в Буживале» (картина справа) и «Танец в городе».

Совсем иначе видит Сюзанну Тулуз-Лотрек: на портрете кисти этого художника (вверху) у нее печальное лицо, мрачный, отсутствующий взгляд, сжатые губы. Именно Тулуз-Лотрек, который первым из художников увидел рисунки Сюзанны Валадон, поощрил ее к занятиям живописью и придумал ей псевдоним Сюзанна. При рождении девушку звали Мари-Клементина. Отметим, что благодаря занятиям живописью Валадон еще при жизни добилась творческого и финансового успеха.

Актриса Жанна Самари, модель Ренуара

Жанна Самари — французская актриса театра «Комеди Франсез». До замужества она жила недалеко от мастерской Пьера Огюста Ренуара и часто приходила к нему позировать. В 1877–1878 годах художник написал 4 портрета Жанны. Каждый из них значительно отличался от других колоритом, композицией и размерами. Один из самых известных — «Портрет актрисы Жанны Самари» (справа), который находится в собрании Пушкинского музея в Москве.

Жанна Авриль, модель Тулуз-Лотрека

Жанна Авриль — танцовщица канкана в парижском кабаре «Мулен Руж», любимая модель и друг художника Анри де Тулуз-Лотрека. Жанна выступила на открытии «Мулен Руж» в 1889 году и стала очень популярной. Именно Авриль в конце XIX века ввела моду на канкан в крупных европейских столицах, а слава о танцовщице распространилась далеко за пределы не только парижского кабаре, но и Франции в целом. Она ездила на гастроли в Англию, Швейцарию, Бельгию.

Тулуз-Лотрек изобразил Жанну на 15 рисунках, 20 картинах, литографии и 2 плакатах, причем не только в танце, но и в повседневной жизни.

Актриса Сара Бернар кисти Альфонса Мухи

К чешскому живописцу Альфонсу Мухе слава пришла благодаря сотрудничеству с Сарой Бернар — знаменитой французской драматической актрисой. Все началось с того, что Муха нарисовал афишу для Бернар и ее театра «Ренессанс» к спектаклю «Жисмонда». Афиша произвела сенсацию и настолько понравилась актрисе, что та подписала с художником эксклюзивный контракт на 6 лет.

За это время были нарисованы афиши к ряду спектаклей и для Дня Сары Бернар (справа) — празднования, которое включало банкет, музыкальные пьесы и драматические сцены на подмостках для чествования актрисы. На этой афише Муха использовал типичные элементы своего фирменного стиля — фон, выполненный в виде мозаики, замысловатые растительные орнаменты, роскошная копна волос главной героини, круг над головой, напоминающий нимб.

Гала Дали (Елена Дьяконова), жена, муза и модель Сальвадора Дали

Елена Дьяконова, или, как она сама себя называла, Гала́ (по-французски “праздник”), была на 10 лет старше Сальвадора Дали. Они познакомились в 1929 году, на тот момент она была женой французского поэта Поля Элюара. Дали и Гала, которая ушла от Элюара, не расставались 53 года – до ее смерти.

Она стала для художника женой, музой, моделью. Гала взяла в свои руки все финансовые дела мужа и благодаря этому творчество художника стало приносить доход. А Дали написал бесчисленное число ее портретов.

Сильветт Давид, модель Пабло Пикассо

В середине 1950-х годов Пикассо жил и работал на юге Франции. Однажды его внимание привлекла белокурая девушка на террасе мастерской по соседству с его студией. Он нарисовал девушку незаметно для нее, а позже показал ей свои рисунки. На вопрос, не согласится ли она попозировать, она молча кивнула. Звали ее Сильветт Давид.

Сотрудничество Пикассо и Сильветт Давид вылилось в целую серию работ — их можно легко узнать по пышному хвосту белокурых волос. Всего Пикассо нарисовал более 60 изображений Сильветт. Он подарил ей один из портретов, и на деньги от его продажи Сильветт смогла купить жилье в Париже.

Ольга Хохлова (в замужестве Пикассо), жена и модель Пабло Пикассо

Ольга Хохлова — русская балерина, артистка «Русского балета» Дягилева и жена Пабло Пикассо. Он венчался с ней по православному обряду. Хохлова родила Пикассо сына Пауло. Они расстались после 17 лет семейной жизни, хотя Ольга оставалась законной супругой Пикассо в течение 37 лет — до самой своей смерти. Это было связано с тем, что Пикассо отказался делить имущество, включая нарисованные им картины, поровну, как того требовал брачный контакт, заключенный между ними.

Натянутые отношения между супругами нашли отражение в картинах: в начале их истории любви портреты Ольги реалистичны, а к моменту распада брака Пикассо изображает ее исключительно в стилистике сюрреализма. Пример тому — картина «Женщина в шляпе (Ольга)».

Жаклин Рок, жена и модель Пабло Пикассо

Жаклин Рок — вторая жена и муза Пабло Пикассо. Когда художник впервые увидел Рок, той было 26, а ему 72 года. После 6 лет знакомства они поженились. Брак продлился 11 лет, вплоть до смерти художника. Пикассо написал более 400 портретов Жаклин: он рисовал ее чаще, чем любую другую свою модель или возлюбленную. Жаклин тяжело переживала смерть Пикассо и спустя 13 лет после его ухода застрелилась накануне ретроспективы его работ.

Картина «Жаклин со скрещенными руками» — один из самых известных портретов Рок кисти Пикассо.

Лидия Делекторская, модель Анри Матисса

Лидия Делекторская — русская переводчица, секретарь французского художника Анри Матисса. К Матиссу она попала, прочитав объявление на автобусной остановке в Ницце о том, что какой-то художник ищет себе помощника.

22-летняя Делекторская стала сиделкой матери 63-летнего Матисса. А позднее тот разглядел в ней идеальную для себя модель. Лидия совмещала роли сиделки, секретаря Матисса и по 3–4 часа в день позировала ему. 2 раза в год Матисс дарил ей рисунки, чтобы она могла обеспечить себе будущее. После смерти художника Лидия подарила Эрмитажу и Музею имени Пушкина унаследованные ею работы Матисса.

Белла Розенфельд, жена и модель Марка Шагала

На протяжении всего творчества в картинах Шагала присутствовал образ женщины — его жены Беллы Шагал (в девичестве Розенфельд). «Когда я с Беллой, я не хожу, а летаю», — говорил художник. Неслучайно он изображает на своих картинах влюбленных, которые парят над землей. Образ супруги прослеживается в сотнях работах художника. Когда Белла в 1944 году умерла, Шагал в течение года не мог вернуться к работе. Он продолжил воспевать свою жену в творчестве и после ее смерти.

Джейн Моррис, муза прерафаэлитов

В 1857 году Джейн со своей сестрой пошла в театр, там ее заметили художники Данте Габриэль Россетти и Эдвард Бёрн-Джонс. Их впечатлила красота Джейн, и они уговорили ее позировать. Впоследствии она работала натурщицей у художника Уильяма Морриса, который сделал ей предложение, и они поженились.

До замужества Джейн была малообразованна, после обручения же она начала брать частные уроки, выучила итальянский и французский языки, стала пианисткой. Позже вошла в высшее английское общество. Существует мнение, что именно Джейн стала прообразом Элизы Дулиттл из пьесы Бернарда Шоу «Пигмалион». Справа Джейн Моррис на картине Россетти «Синее шелковое платье» (1868).

Бонус: Камилла Клодель, возлюбленная и ученица скульптора Огюста Родена

Камилла Клодель училась в частной художественной школе «Академия Коларосси» в то время, когда женщинам было запрещено поступать в академии изящных искусств. Здесь она познакомилась с Роденом, который преподавал скульптуру. Вскоре Камилла начала работать в мастерской учителя и стала его моделью, ученицей, любовницей и источником вдохновения. Критики высоко оценивали талант Камиллы Клодель как скульптора и самобытность ее работ.

Последние 30 лет своей жизни Камилла провела в приюте для умалишенных. Она уничтожила все свои работы и обвиняла Родена в том, что тот украл ее творческие решения.

А кому из великих хотели бы позировать для портрета вы?

Ссылка на основную публикацию