Авангардная Мода, Современное искусство

З.б. Мода и авангардное искусство

На моду 1920-х гг. большое влияние оказало авангардное искусство — от футуризма и кубизма до абстракционизма. Если говорить об официальной моде, то это влияние выразилось прежде всего в популярности геометрического орнамента. Платья с абстрактным декором и ткани с беспредметными рисунками были самыми модными; современникам казалось, что именно они выражают дух нового времени. Однако идея заменить традиционный изобразительный декор абстрактными формами не была совершенно новой. Уже стиль модерн предложил свою декоративную систему. Стремление к «органическому единству формы и орнамента», к функционально оправданной форме делало традиционный орнамент необязательным. В 1908 г. австрийский архитектор и критик А. Лоос опубликовал статью «Орнамент и преступление», в которой отвергал украшательский декор во имя простоты и рациональности формы, выявления природной красоты материалов. Эти идеи предвосхищали отношение к орнаменту в функционализме. С развитием стиля модерн в 1910-е гг. усилилась тенденция упрощения декора. Несомненно, например, сходство рисунков обивки кресел Ф. Шехтеля в спальне и кабинете особняка Дерожинской с тканями в стиле «ар-деко»; геометрических орнаментов в костюмах по эскизам Л. Бакста для Русских сезонов — с супрематическими и конструктивистскими тканями. Первые беспредметные рисунки появились еще в 1910-е гг. под влиянием футуризма и супрематизма. Футуристы (прежде всего Джакомо Балла) и после войны разрабатывали образцы тканей и одежды с геометрическими рисунками.

В 1920-е гг. в интерьерах «ар-деко» были популярны декоративные ткани Р. Дюфи, также представленные на Выставке декоративного искусства в Париже. Р.Дюфи, который начал разрабатывать рисунки для тканей еще в 1910-е гг. для П. Пуаре, использовал свой опыт живописца — во второй половине 1900-х гг. он принадлежал к группе фови- стов. В рисунках тканей Дюфи соединял стилизованные формы и яркие цвета, добиваясь выразительного декоративного эффекта.

Новые идеи декоративного оформления пространственного окружения человека возникли в супрематизме. Мысль о замене традиционного декора абсолютными геометрическими формами принадлежала К. Малевичу и явилась логическим следствием развития концепции супрематизма: «Супрематизм начал свой выход в предметный мир, не превращаясь из плоскостного в объемный, а разрывая рамки картины. Супрематические элементы выходили из картины в предметный мир не в реальное. а в иллюзорное пространство, которым могла стать поверхность любых предметов» [1] . Попытки внедрить новый декор в повседневный обиход были предприняты супрематистами еще до революции. Эскизы вышивок с абстрактными мотивами для дамских сумок, шалей, папок для бумаг, отделки платьев, авторами которых были К. Малевич, О. Розанова, И. Пуни, Л. Попова, Н. Удальцова, А. Экс- тер, Е. Прибыльская, Г. Якулов и др., экспонировались на выставках художественной индустрии и декоративного искусства в 1915—1917 гг. Газета «Раннее утро» писала о Второй выставке современного декоративного искусства, организованной в Москве в декабре 1917 г.: «Вторая выставка современного декоративного искусства (салон Михайловой) составлена с большим вкусом. Все вышивки исполнены по эскизам художников крестьянами села Вербовки (Киев. губ.). Большинство художников, по эскизам которых исполнены вышивки, примыкают к «левым» течениям. Любопытно, что публика, возмущающаяся их картинами, охотно раскупает подушки, переплеты и т.д., которые очень часто являются чуть ли не точной копией картин «супрематистов» [2] .

В 1920 г. в Витебске эти попытки получили логическое завершение: супрематизм стал концепцией единства мирового творчества, концепцией «нового образа Земли» и «вышел» в предметно-пространственную среду в виде плоскостного орнамента на поверхности предметов — стен, посуды, тканей, одежды. В витебских Государственных свободных художественно-промышленных мастерских изготавливались образцы тканей по эскизам К. Малевича, Н. Суетина, И. Чашника с «супрематическими узорами» — «орнаментом 1920-х гг.». К. Малевич разрабатывал и эскизы «супрематических платьев», которые должны были стилистически соответствовать новому окружению человека, быть частью новой среды обитания. Проекты Малевича представляли собой традиционные формы одежды с супрематическим декором.

Александра Экстер, начинавшая как живописец-кубофутурист, затем обратившаяся к беспредметной живописи, близкой конструктивизму, новое ощущение построения пространства претворила в театральных декорациях и костюмах для постановок Камерного театра А. Таирова «Фамира Кифаред» (1916), «Саломея» (1917), «Ромео и Джульетта» (1921), а также в эскизах бытового костюма. Театральные костюмы А. Экстер были совершенно новым явлением — они представляли собой жесткие трехмерные объекты, своеобразные движущиеся цветные скульптуры. Известный критик Я. Тугендхольд написал о сценографии «Саломеи», что «костюмы Экстер не «нарисованы» и «сшиты», но сконструированы. из различных поверхностей так же, как и ее декорации. она задумывает свои костюмы почти всегда динамически. точкой отправления ее при создании того или иного костюма является то или иное доминирующее движение по сцене данного персонажа, его ритм, его темп — согласованный с общим ритмом и темпом всей пьесы. Костюмы Экстер — это и есть застывшие в линиях и красках человеческие ритмы» [3] .

Экстер создала конструктивистские костюмы для балетов Э. Крюгер и для кинофильма «Аэлита». Это были костюмы-конструкции, каркасы из простых геометрических форм, в которые было заключено тело актера (рис. 3.10). Экстер здесь не отделяла одно от другого: костюм от образа. Она придумывала не костюм, а персонаж.

Рис. ЗЛО. А. Экстер. Рисунки из журнала «Ателье», 1923 г. (а).

А. Экстер. Эскиз костюма Аэлиты, 1924 г. (б)

Опыт театрального художника чувствуется в эскизах индивидуального платья, созданных А. Экстер для Мастерской современного костюма и Ателье мод «Москвошвея» в 1922—1923 гг.: в декоративности цветового и пластического решения, в ассоциациях с историческими костюмами, которые Экстер использовала как творческий источник, продемонстрировав блестящий дар стилизации. Мотивы костюма Древнего Египта или костюма эпохи Возрождения она трансформировала в остросовременные формы, в которых угадывалась динамика 1920-х гг.

На Западе одежду с абстрактным декором разрабатывали не только итальянские футуристы, но и С. Делоне (рис. 3.11). Соня Делоне (Терк) родилась в 1885 г. в Одессе, обучалась живописи в Петербурге, затем в Германии. С 1905 г. жила в Париже, где училась в Академии Ла Палетт. В 1910 г. вышла замуж за французского художника Робера Делоне, который разработал теорию «симультанного искусства».

С. Делоне применяла положения этой теории в своем творчестве, создавая еще до Первой мировой войны беспредметные композиции (их друг — французский поэт Г. Аполлинер придумал для этих «симультанных» композиций термин «орфизм»). Во время Первой мировой войны, находясь в Испании и Португалии, она познакомилась с С. Дягилевым. В 1917 г. вместе с Р. Делоне она разработала декорации и костюмы для балета «Клеопатра» вместо сгоревших во время гастролей в Латинской Америке декораций Л. Бакста.

Рис. 3. 77. С. Делоне в модели из ткани с «симультанным» рисунком (а). Дж. Балла. Эскиз футуристического костюма, 1914 г. (б)

В 1920 г. С. Делоне создала костюмы для оперы «Аида» для театра Лисео в Барселоне, в которых, как и в костюмах для «Клеопатры», использовала беспредметный декор. Эти театральные работы пробудили у нее интерес к возможностям применения геометрического орнамента в современной одежде. В 1922—1925 гг. С. Делоне придумывала модели платьев и шелковых шарфов с «симультанными» рисунками.

В 1925 г. во время Всемирной выставки декоративного искусства совместно с Ж. Эймом С. Делоне открыла на мосту Александра III «Симультанный бутик», в котором продавались ткани и модели одежды с абстрактными рисунками. Такие ткани выпускали лионские фирмы «Бьянкини-Ферье» и «Родье». Огромный поток заказов побудил С. Делоне открыть в 1925 г. свое ателье мод, выпускавшее модели платьев из тканей с геометрическими рисунками, вышивками и аппликациями. Оно существовало до 1931 г. Во второй половине 1920-х гг. подобные модели, как и «футуристические» платья Дж. Балла, считались самыми авангардными. С. Делоне пользовалась славой как колорист, создавая выразительные цветовые сочетания для вышивок и декора моделей, в которых чувствовалось влияние украинского народного костюма (в раннем детстве она жила в Полтавской губернии).

С. Делоне, как и К. Малевич, мечтала о том, чтобы одеть весь мир в новые орнаменты. Р. Делоне писал об этом в 1923 г.: «Для Сони платья или пальто являются частью пространства, имеющего определенные размеры, форму и содержание. Она создает органичное целое по законам, ставшим обязательными для ее искусства» [4] . Одна из ее идей — автомобиль, разрисованный «симультанными» рисунками, составляющий единый ансамбль с платьем. С. Делоне выпускала альбомы с рисунками для тканей. Эти ткани очень напоминали супрематические ткани и ткани русских конструктивистов.

В Париже в 1920-е гг. был дом моды, который специализировался на оформлении интерьеров и изготовлении моделей с абстрактным декором (как правило, аппликациями) по эскизам П. Пикассо, Ф. Леже, Ж. Миро и др., — «Мырбор». Основала этот дом моды супруга французского сенатора Мария Куттоли. В отделе моды «Мырбор» несколько сезонов работала русская художница Н. Гончарова.

В Баухаузе в Германии (первой дизайнерской школе на Западе) на текстильном отделении проектировали декоративные ткани и ковры с абстрактными геометрическими орнаментами. Беспредметный декор воспринимался тогда не только как «самый модный орнамент», но и должен был заменить традиционный изобразительный декор. Это входило в программу функционализма — нового художественного направления, родившегося в 1920-е гг.

12 модных коллекций, созданных по мотивам авангардной живописи

В 2014 году ведущей темой весенне-летних коллекций лидеров мировой моды стало изобразительное искусство ХХ века.

Мода – понятие переменчивое. Она хоть и отличалось содержанием в разные времена, но была всегда. И сегодня каждая женщина хочет выглядеть модно и современной. Лучшая одежда и обувь со всего мира по привлекательной цене собрана в интернет моле ShopoMio. Здесь http://shopomio.ru/category/women-overcoat/tag/short-coats можно найти стильное женское полупальто лучших мировых брендов и другую верхнюю одежду с доставкой по России.

Техническое столетие – эпоха необычных, не имеющих аналогов в истории искусства художественных экспериментов. ХХ век породил оригинальные стили, которые оказались средством не только изображения, но и всестороннего исследования окружающего нас изменчивого пространства и времени. Абстракционизм, конструктивизм, кубизм, сюрреализм, концептуализм дали миру взглянуть на себя под иным углом зрения. Созданные в этих стилях произведения искусства универсальны, их образы одинаково уместны и в качестве самостоятельного художественного явления, и как элементы прикладного искусства. Использование достижений живописи ХХ века открыло перед модельерами поистине безграничные перспективы самовыражения, и они удачно использовали представившуюся возможность.

Celin + Тони Вирасмонтенс

Тони Вирасмонтес, американский художник испано-мексиканского происхождения, известен как культовый иллюстратор 80-х годов ХХ века. Его «визитная карточка» – острый и точный реалистичный портрет, погруженный в динамичное, эмоционально насыщенное абстрактными фигурами пространство. В прошлом Вирасмонтенс сотрудничал с многими известными Домами моды в качестве fashion-иллюстратора, а теперь его иллюстрации перекочевали в модный дизайн в качестве самостоятельных художественных элементов. В коллекции Celin творчески переосмыслен специфический стиль изображения Вирасмонтенса: в качестве «портретной составляющей» выступает лицо самой модели, которое оригинально сочетается с буйством абстрактных форм и ярких красок.

Alexander McQueen + Варвара Степанова

Варвара Степанова – яркий представитель русского авангардного искусства 20-х годов ХХ века. Вехи творческого развития Степановой включали эксперименты в стиле модерн, футуризм и даже «визуальную поэзию». Коллеги художницы называли ее «неистовой» за исключительную эмоциональную насыщенность ее произведений, динамичную игру форм и цвета. В качестве дизайнера Степанова известна разработкой фактур и рисунков для текстильного производства. В коллекции Alexander McQueen использована одна из наиболее ярких техник художницы – комбинации контрастных геометрических форм различных размеров, которые создают сложный узор, приближающийся по стилю к оп-арту.

Alexander McQueen + Варвара Степанова

Многогранность творчества мастера русского авангарда Варвары Степановой дает возможность использовать в модном дизайне различные аспекты ее художественных находок. Еще одна коллекция Alexander McQueen, базирующаяся на дизайнерских разработках художницы, использует фактуру упорядоченного, систематизированного геометрического рисунка. Костюм модели словно «лепится» из правильных, симметричных геометрических элементов, и сама модель превращается в «ожившее» изображение, сошедшее с полотна художника-футуриста.

Jean-Charles de Castelbajac + Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн – известный американский художник, основатель нового стиля изобразительного искусства, получившего название «поп-арт». В своем творчестве Лихтенштейн дерзко смешивал персонажей комиксов и другие объекты массовой культуры, изобразительные приемы рекламы и пиар-технологий. Поп-арт до сих пор остается одним из самых известных и востребованных стилей в культуре общества потребления, и его использование в модном дизайне вполне естественно. В коллекции Jean-Charles de Castelbajac представлены платья простых объемных форм, главным элементом декора которых являются яркие, неожиданные комбинации изобразительных элементов в классической поп-арт-стилистике.

Jil Sander + Василий Кандинский

В поисках вдохновения для создания модного дизайна невозможно пройти мимо Василия Кандинского, одной из наиболее ярких фигур современного искусства, основоположника абстракционизма. Главной идеей Кандинского было изображение в живописи сознания, мыслительного процесса и индивидуальных особенностей восприятия человека, отражения в виде материальных образов мира человеческой души. В наше время абстракционизм остается одним из самых широко используемых стилей во всех областях дизайна. Jil Sander использует в своей коллекции индивидуальные особенности творчества Кандинского – сложные композиции форм и фигур, созданные в формате «свободных ассоциаций».

Junko Shimada + Хуан Миро

Испанский художник Хуан Миро почитается поклонниками современной живописи как «духовный отец авангарда». Стиль Миро сочетал в себе яркий сюрреализм с элементами наивного искусства, но главной его особенностью была неиссякаемая жизнерадостность образов, яркие солнечные краски. Именно эта особенность творчества культового художника была использована в летней коллекции Junko Shimada. Летнее настроение, жаркие лучи солнца, буйство природы и наслаждение жизнью как нельзя лучше выражают характерные дизайнерские элементы Миро – яркие рисунки в «детской» манере на праздничном ярко-желтом фоне.

Prada + Казимир Малевич

В дизайне костюмов новой коллекции Prada были использованы творческие идеи Казимира Малевича – культового художника и философа искусства начала ХХ века, наиболее яркого представителя супрематизма – стиля, который рассматривает объекты окружающего нас мира и элементы пространства в виде геометрических форм – «базовых кирпичиков» материального мира. Модели одежды Prada ярко отражают идеи Малевича, в их композиции и цветовых решениях наглядно демонстрируется и эстетически подчеркивается разделение на функциональные элементы, дискретные пространственно-цветовые модули.

Читайте также:  Мода Осень-зима 2020 Милан, фото

Kenzo + Хацусика Хокусай

«Морская» коллекция Kenzo создана по мотивам произведений великого японского художника, иллюстратора и гравера, мастера стиля укиё-э. Хацусика Хокусай – самобытный творец, которого называли «гением рисунка» и «Леонардо Востока». Творчество японского мастера оказало значительное влияние на европейское авангардное искусство ХХ века (французский импрессионизм, стиль ар-нуво). В моделях летней одежды Kenzo ярко представлены характерные элементы творчества Хокусая – бушующие морские волны, омывающая прибрежные скалы пена изображены в абстрактном стиле, но создают магическое впечатление реалистичности и динамики.

Zara + Жан-Мишель Баския

Летние платья Zara – оригинальный образец декора в стиле стрит-арт, ярким представителем которого был темнокожий художник из Бруклина Жан-Мишель Баския. Стрит-арт – сугубо городское искусство, которое чутко улавливает социальные веяния современности и отражает их в комбинациях энергичных форм и динамичных символов. Творчество Баскии включает в себя элементы граффити, абстрактного бессюжетного искусства и элементов поп-арта, которые он заимствовал у своего учителя и покровителя, легендарного Энди Уорхолла. В интерпретации самобытного молодого художника эти элементы образовали фантастический и многозначный сплав форм и идей, который вызывает интерес ценителей современной живописи и поныне. Модные вещи Zara последней коллекции выступают в роли «носителя» изображения, для стрит-арта подобное положение дел вполне органично.

Aldo Rise x Ostwald Helgason + Пабло Пикассо

Пабло Пикассо – известнейшая фигура в мире культуры ХХ века, это имя знакомо даже людям, далеким от изобразительного искусства. Чаще всего имя Пикассо связывают с кубизмом – авангардным стилем, который преобразовывает формы и пространство в сложные геометрические формы. Декор суток бренда Aldo Rise x Ostwald Helgason создан под влиянием кубистических экспериментов великого испанского экспериментатора. Яркие краски геометрических форм и линий органично выглядят на сумках весенне-летней коллекции, они создают праздничное настроение и напоминают о пляжной романтике.

Andrew Gn + Пит Мондриан

Голландец Пит Мондриан был одним из основателей современного абстрактного искусства наряду с Кандинским и Малевичем. Именно ему принадлежит идея создания так называемого модульного пространства, которое в наши дни из средства художественного отражения действительности превратилось в прогрессивную концепцию не только искусства, но и широких сфер промышленного производства. Способы разделения на модули, совмещения и трансформации элементов Мондриана в настоящее время превратилось в сферу изучения инженеров и конструкторов. Стильные и гармоничные конструкторские композиции в стиле Пита Мондриана эффектно смотрятся на любых предметах одежды, придавая коллекции Andrew Gn выразительную элегантность.

Бэкстейдж Givenchy + Марк Шагал

Творчество Марка Шагала невозможно классифицировать в рамках существующей ныне искусствоведческой терминологии и классификации. Изучая кубизм, футуризм, орхизм и другие авангардные направления живописи, Шагал всегда оставался самим собой и перекраивал любой стиль под собственное мироощущение, которое многие исследователи его творчества называют «космическим». Чтобы выразить специфику космологии Шагала, его целостное видение мира, создателям коллекции Бэкстейдж Givenchy пришлось уделить значительное внимание не только одежде, но и нетрадиционному, эпатажному макияжу моделей.

Авангардная мода «новой волны» в эпоху перестройки

Историк искусства Юлия Лебедева вспоминает героев советской альтернативной моды, предвосхитивших популярные модно-художественные коллаборации последних лет.

Peter Lindbergh. Vogue. 1991.
Источник: http://world.epolotsk.com/fotograf-peter-lindbergh-quotvoguequot-september-1991/6440

Сегодня считается, что мир моды и мир искусства идут рядом (так, например, считает скандинавский дизайнер Хенрик Вибсков): Марк Джейкобс приглашает Ричарда Принса и Яёй Кусаму делать сумочки, а Миуччиа Прада (как и многие ее коллеги по модной индустрии) открывает художественный фонд имени себя. Но такое разделение все же существовало не всегда. В разные десятилетия современной нам эпохи дизайнеры и художники варились в одном котле, а иногда успешно занимались «несвойственными» для них вещами. Об одном из таких феноменов — недолгом триумфе советской альтернативной моды, существовавшей в разгар перестройки, — вспоминает историк искусства Юлия Лебедева.

Сourtesy Сергей Борисов” src=”http://www.artguide.com/content/Special/Soviet_fashion/01_.jpg” style=”display:block; float:right; height:390px; margin:15px auto; width:240px” />У каждого времени свои герои и приоритеты. Эпоха перестройки с ее безбашенностью, витальностью и невероятным количеством идей была временем постепенного обретения свободы, которая, к сожалению, в 1990-е годы превратилась в анархию. Молодые художники, работавшие в те годы, верили, что пришла пора перемен, но еще не почувствовали вкус арт-рынка. Поэтому это не только время свободы, но и честности. Середина и конец 1980-х были тем редким моментом, когда альтернативное искусство стало использовать не только исторический материал, но и — без иронии и издевки (что до того уже вошло в привычку) — советскую и революционную эстетику. Заново открытый русский авангард, когда-то работавший на благо Революции, оказал на художников 1980-х большое влияние. Они ассоциировали изменения конца XX века с тем, что было в его начале, в первую очередь восхищаясь невероятной силой и энергией авангардного искусства. Предложенные ими постмодернистские трактовки и новые прочтения эстетики русского авангарда и сейчас, спустя почти тридцать лет, смотрятся весьма оригинально. Советские символика и стиль нашли свое место в творчестве молодых художников уже не как досадные недоразумения и вынужденное зло, но как часть образа происходящих в обществе перемен. Тогда рядом могли уживаться противоположности: и имперские дореволюционные мотивы, и серп и молот, и шляпа, сделанная из надувного плавательного круга.

Сегодня принято считать, что мода и изобразительное искусство — две совершенно разные планеты. Но так, на мой взгляд, было не всегда. В послевоенном мире было несколько ярких примеров: знаменитая «Фабрика» Энди Уорхола или панковские 1970-е. Но особо самобытны и витальны были 1980-е годы. В те времена к общемировой экстраординарной богеме присоединилась и русская, точнее — тогда еще советская, андерграундная тусовка. Эпоха «нью-вейва», главенствующего на тот момент стиля, началась в СССР без опозданий. «Нью-вейв» — термин, пришедший из музыки, — был настоящим синтезом искусств. Временем, когда художники пели, а музыканты рисовали, все вместе они играли в кино и осуществляли театральные постановки. «Нью-вейв» стал еще и новым словом в моде. Достаточно вспомнить Вивьен Вествуд, которая в 1970-е вывела на подиум панк-стиль, а в начале 1980-х создавала яркие постмодернистские коллекции, основанные на интерпретации исторических стилей.

Но в этом тексте я хочу сосредоточиться прежде всего на московской ситуации 1980-х, причем посмотреть на нее через призму альтернативной моды. Ленинградское художественное сообщество, тоже крайне интересное в плане одежды и стиля (или, пользуясь лексиконом времени, — «прикида»), не сформировало в 1980-е именно авангардных художников-модельеров, хотя термин «модничество» применим по большей части как раз к петербургским «новым художникам» и их кругу. Пожалуй, можно назвать лишь одно имя — очень рано умершего Константина Гончарова, который под влиянием Тимура Новикова в начале 1990-х вошел в зарождавшуюся тогда компанию петербургского неоакадемизма и создал модный дом «Строгий юноша», проповедовавший новый петербургский дендизм.

В середине 1980-х в кругу московско-питерской богемы появился человек со множеством прозвищ. Его настоящее имя было Олег Коломейчук, но в художественном сообществе он был известен как Гарик Асса или Гарик Горилла. Асса — поскольку начинал свою творческую карьеру в Ленинграде в компании «АССА» Тимура Новикова и группы «Новые художники». Горилла — возможно, из-за довольно брутальной внешности. При этом Гарик Асса обладал изысканным вкусом, был настоящим денди и во многом повлиял на внешний вид многих художников-восьмидесятников. Также он начал одним из первых в СССР носить винтажную одежду. Костюмированные перформансы Гарика Ассы с огромным количеством (и часто спонтанным составом) участников были объединены общим названием «Ай-да-лю-ли». Это было что-то вроде альтернативного дома мод, смешанного с театром.

В 1991 году в московском самиздатовском журнале «Сдвиг» Гарик Асса был охарактеризован следующим образом: «…не производя никакого творческого продукта, он имел выражение своих идей через творчество московских и ленинградских художников, музыкантов, поэтов. Акции были сильно костюмированы, музыкально озвучены, поэтизированы, созидательно-разрушительны. Для Москвы это ново и свежо, в отличие от Запада, мы не знали этого периода в 1960-х. Гарик знаменит тем, что после общения с ним многие люди начинали творить картины и писать музыку». Асса был магнитом, объединявшим вокруг себя людей. Можно сказать, что все герои моего рассказа сформировались под его влиянием и по-прежнему называют его главной личностью в этом процессе.

Он никогда не шил сам, но всегда находил в самых разных местах уникально-парадоксальные вещи и очень интересно их комбинировал. В результате получались крайне авангардные, современные, яркие костюмы. Миша Бастер, историк альтернативных течений 1980-х, вспоминает: «Чтобы понять искусство Гарика, обладателя огромного гардероба вещей разных лет, достаточно перечислить представляемые на “ассах” костюмы: “денди”, “сбитый парашютист”, “мертвый шпион-китаец”. В стиле “Ассы” доминировали шикарные костюмы 1930-х годов, которые действительно в свое время носили представители советской разведки и дипкорпусов». Все это было собрано на барахолках, в комиссионках, откопано в сундуках. Особым вниманием — причем не только со стороны Гарика, но и всех модников тех лет — пользовалась Тишинка (стихийный регулярный рынок винтажной одежды, существовавший в 1990-е годы на Тишинской площади в Москве, — «Артгид»). Там можно было купить вещи абсолютно уникальные — не только антикварные или необычные, но и просто когда-то бывшие очень дорогими. Например, художник Никита Алексеев как-то раз купил на Тишинке изысканный костюм-тройку марки Paul Smith. Сам Гарик носил наряды не менее экстравагантные, чем его модели. Музыкант Андрей Христенко вспоминает: «Он был одет в ярко-зеленое пальто, ядовито-желтый шарф, а картину довершала фетровая шляпа 1950-х годов». В одном голландском документальном фильме про себя Гарик предстал ни много ни мало в костюме в стиле Ивана Грозного.

Перестройка вызвала невероятной мощи волну творчества. Все альтернативное искусство, в том числе мода, пользовалось оглушительным успехом у иностранных журналистов. Такого внимания к Советскому Союзу (и уж тем более к создававшемуся искусству) больше никогда не было. Как рассказывает Миша Бастер, описывая то время, «музыканты одевались как супермодели, а модельеры “расцвечивали” всю тусовку».

Впрочем, Гарику Ассе принадлежит и еще одна культуртрегерская заслуга. Именно он воспитал целую плеяду молодых «альтернативных» художников-модельеров, среди которых можно упомянуть Катю Филиппову, Катю Микульскую, Ирену Бурмистрову, Катю Рыжикову, Елену Зелинскую. Среди его самых известных «учеников» — небезызвестный коллекционер винтажной одежды и художник Александр Петлюра.

Не без влияния Гарика начал создавать свои костюмы художник Гоша Острецов, еще один знаковый денди 1980-х. Параллельно с живописью в 1986 году Острецов сделал коллекцию авангардных аксессуаров. Все они были нарочито игрушечными, детским и принципиально не предназначенными для использования в повседневной жизни. В ход шло все, что было под рукой. Его коллекция костюмов «Космические войны» демонстрирует переосмысление авангардного наследия: в данном случае — опыта футуристов и дизайна Александра Родченко и Варвары Степановой. Идея перестройки как модернизации общества была проассоциирована многими художниками с авангардным искусством Революции. Но их главной целью было не «воссоздать» что-то конкретное, а передать его эстетику. В этих перформансах использовалась стилизованная хореография: рубленые движения, маршировочный шаг, пирамиды из человеческих тел, позы, отсылающие к монументу «Рабочий и колхозница». Но «нью-вейверское» желание подурачиться, превратить все в карнавал обнаруживается и здесь: головные уборы участников либо сделаны из детских пластмассовых игрушек — танков и самолетиков, — либо представляют собой дурацкие клоунские шапки. Кстати, Острецов однажды отметил, что тогда они слово «нью-вейв» не употребляли, а свои эксперименты определяли как «соц-арт».

Перемены в стране, перестройка, интерес всего мира к происходящему в Советском Союзе породили размышления художников на тему недавней истории. Студентка 1-го курса МАРХИ Катя Микульская (Мосина) создала свою первую в жизни коллекцию, известную сегодня под названием Viva la Revolution. Требование одного из ее друзей-художников срочно «нарезать что-нибудь в лоскуты» перед выставкой в кинотеатре «Ханой» обернулось в ее случае успешной карьерой дизайнера. Как говорит сама Катя, ее одежда напоминала старую русскую аристократию, ставшую революционерами: это буквально разрезанная на куски и превращенное в нечто новое одежда. Сегодня такого рода эксперименты называются recycling design. Еще одна характерная для искусства перестройки черта — странное сочетание патриотизма и иронии по отношению к советской идеологии. Поэтому из знамени делается шикарная юбка, а пионерский флажок превращается в аксессуар. В этом ключе Микульская создала всего одну коллекцию. Поехав погостить к друзьям в Берлин в 1989 году, она неожиданно для всех получила предложение о работе и осталась там жить, выучилась на дизайнера (в тот вуз тогда приехала преподавать Вивьен Вествуд) и теперь работает в Берлине и Москве.

Подобную постмодернистскую карнавальную комбинацию предложила и художница Катя Филиппова. В основе ее коллекции «Кошмарный сон майора Стогова», посвященной пионерии и советской армии, были текстильные изделия из «Военторга», дополненные аксессуарами, кружевами и красными балетными пачками. Пионерское знамя превращалось в платье, а утонченный костюм украшали советские гербы цвета старого золота. Платье «Красная площадь» вызвало скандал: в программе «Взгляд» ведущие устроили Филипповой настоящий допрос — почему на лифе этого платья оказались купола. На следующий день после выхода программы Филипповой позвонила София Ротару и предложила работать вместе. Все платья-костюмы Филипповой от первого стежка до последнего камушка были созданы самой художницей и существовали в единственном экземпляре. Катя дружила со многими рок-музыкантами, поэтому ее костюмы нередко украшали клипы и концерты, в том числе знаменитые шоу группы «Поп-механика» Сергея Курехина.

Катя Филиппова и Катя Микульская впервые продемонстрировали свои коллекции на знаменитом показе в «Доме моделей» на Кузнецком Мосту в 1987 году. Искусствовед Светлана Куницына, которая работала там в тот момент, вместе с Артемием Троицким устроила показ молодежной моды в сопровождении рок-групп и исполнителей — «Центра», «Среднерусской возвышенности», «Вежливого отказа», Петра Мамонова. Музыканты играли, девушки дефилировали. Дирекция была в ужасе, альтернативная Москва — в бешеном восторге. «Все три видеокамеры в Москве были в тот момент там», — вспоминает Микульская. Зрителей было столько, что билетерше сломали ребро. Это было торжество стиля в музыке и моде. Показ на Кузнецком Мосту стал одним из самых ярких событий в области альтернативной моды того времени. На этой волне в Риге появилась «Ассамблея неукрощенной моды», организованная Бруно Бирманисом. На ней впервые предстал перед широкой публикой Андрей Бартенев.

Читайте также:  Российская и Советская парфюмерия, духи Красная Москва

Советское молодежное искусство 1980-х, неординарное и яркое, впервые шло в ногу с мировыми художественными процессами, но при этом оно еще обладало известной наивностью — это следствие долгого пребывания за «железным занавесом». Перестройка бесповоротно изменила жизнь, но последовавшая за ней эпоха дикого капитализма, которую часто сравнивают с гангстерской Америкой 1930-х, вынудила изменить прежде всего отношение и к самой жизни. Детская наивность, блестки и «нью-вейверский» эпатаж утратили свою магическую силу, перекочевав из арт-пространства на дискотеки и в клубы 1990-х. Хотя стоит признать, что и художественное пространство отчасти переместилось туда. Те тенденции, что в Нью-Йорке 1980-х составляли единое целое, в Москве (в силу исторических обстоятельств) проживались последовательно. И если в Америке в то время уже работали коммерческие механизмы, то в России они начали действовать лишь в эпоху клубов. А к тому моменту уже никому ни до кого не было дела. А перестройка и все советское — и здесь, и на Западе — так же быстро вышли из моды, как и вошли в нее.

На сегодняшний день дизайнером работает только Катя Микульская. Александр Петлюра продолжает создавать свои интереснейшие костюмированные шоу, посвященные разным эпохам. Они по-прежнему имеют успех и в России, и во всем остальном мире. Катя Филиппова вернулась к живописи, Гоша Острецов тоже давно отошел от моды. Гарик Асса трагически погиб в 2012 году. «Это было, пожалуй, лучшее время. Тогда было очень интересно жить, гораздо интереснее, чем то, что сейчас происходит в нашем искусстве», — замечает Катя Филиппова.

Доклад, который лег в основу этого текста, был прочитан в марте 2009 года на конференции «Молодые об искусстве» в НИИ Российской академии художеств.

Стильный эпатаж: что нужно знать об авангардной моде

11 октября 2018

Показы авангардных дизайнеров иногда кажутся гротескными и слегка безумными. Кто-то восхищается полетом дизайнерской мысли , а кто-то ее не понимает. Разбираемся вместе в тенденциях авангардной моды.

Что такое авангардизм

Авангардизм — движение в искусстве, для которого характерны новаторские, экспериментальные идеи и радикальные способы их воплощения. Направление появилось в начале ХХ века и стало некоей революцией в кино, музыке, живописи, литературе и, конечно, моде. Авангардизм был призван изменить традиционные представления об искусстве, и ему это отчасти удалось.
Со временем авангардное искусство утратило свой бунтарский дух и сформировалось в полноценное популярное течение со множеством направлений.

Авангардизм в моде

Многие историки моды сходятся во мнении, что авангардный стиль в одежде появился в Японии в начале 1920 годов. В необычных нарядах было заключено видение японскими дизайнерами европейской моды.
Но свое становление на мировых подиумах авангардизм начал в 60-х годах, когда Пьер Карден, вдохновленный успехами человечества в освоении космического пространства, создал легендарную коллекцию «Космос». Одежда выглядела футуристично, имела четкие линии, геометричные вырезы и была представлена в ярких цветах.

Коллекция вызвала фурор и стала одной из самых известных в карьере кутюрье.
После такой бурной реакции на коллекцию Кардена, многие именитые дизайнеры обратились к авангардизму. Например, Вивьен Вествуд с начала 1970-х создает совершенно необычные наряды, продвигая в них бунтарские идеи панк-культуры.

Вивьен Вествуд — гранд-дама авангардной моды

Особенности авангардного стиля

Хотя авангаризм отрицает все шаблоны и ищет новые, нестандартные пути, в авангардной одежде все же можно выделить несколько неизменных особенностей:

  • Геометрически формы
  • Сочетание разных фактур
  • Контрастность
  • Смелые цвета
  • Асимметрия
  • Нестандартные детали

Направления авангарда в моде

Деконструктивизм

В 1981 году Йоджи Ямамото и Рей Кавакубо представили миру свои коллекции, которые совершенно отличались от привычной моды. На подиум вышли модели в многослойных асимметричных нарядах необычной конструкции. С тех пор в авангардной моде появилось направление деконструктивизм, для которого характерны сложные формы, фрагментарность, асимметричность, нарушение привычной геометрии одежды. Например, можно встретить жакет, переходящий в платье, рубашку с одним рукавом, футболки со смещенным вырезом или наружными швами.

Концептуализм

Самое яркое проявление авангардизма. Главная задача концептуальных коллекций — выразить дизайнерскую мысль, показать видение современной моды, донести через модели какие-то взгляды и идеи дизайнера. Такую одежду не встретить в обычной жизни. Концептуализму свойственны метафоричность и необычные конструкторские решения, множество драпировок и нестандартные материалы. Концептуальные вещи предназначены для подиума и должны рассказывать какую-то историю, а иногда и шокировать.

Минимализм

Достаточно лаконичное направление, которому характерно минимальное количество деталей, традиционные материалы и монохромность. Сейчас минимализм — одно из самых востребованных направлений авангардной моды. Возможно, в силу своей сдержанности и универсальности.

Современные авангардные бренды

Нельзя сказать, что кто-то из дизайнеров работает только в авангардизме, но можно выделить тех, кто особенно часто обращается к этому стилю в своих коллекциях

Yohji Yamamoto

Легендарный Йоджи Ямамото мог и вовсе не стать дизайнером. Прежде чем он занялся дизайном одежды, он получил диплом юридического университета. Хорошо, что жизнь распорядилась по‑другому и Ямамото стал модным революционером. Дизайнер первым создал женскую одежду мужского кроя и силуэта. Это нашло отклик мире моды и необычным конструкциям и формам Йоджи Ямамото стали подражать многие бренды.

Comme Des Garçons

Французско-японский бренд, созданный Рей Кавакубо. Марка ориентирована в основном на женскую одежду и часто экспериментирует с цветом, формами и пропорциями. На показах можно увидеть молодых людей в розовых париках, девушек в мужской непропорциональной одежде.

Viktor & Rolf

Дуэт нидерландских дизайнеров, которые заявили о себе в самом начале карьеры и за первую же свою коллекцию удостоились трех наград.
Одежду дизайнеров отличает скульптурность форм, изобилие плиссировок и необычный подход к представлению коллекций. Например, во время показа коллекции «Черная дыра» все модели были выкрашены в черный цвет, а цветовая гамма вещей была исключительно черной.

Alexander McQueen

С самого начала своей карьеры Маккуин зарекомендовал себя как новатор, не желающий мириться с традиционным понятием моды.
Его модели отличаются необычностью форм и текстур. Маккуин не боялся экспериментировать с тканями и часто использовал нестандартные материалы. Коллекция осень-зима 2009 почти вся состояла из птичьих перьев.
Каждый показ Маккуина имел свою концепцию — на показе весна-лето 2010 дизайнер продемонстрировал свое видение мира после глобального потепления. Все модели были представлены в текстурах, напоминающих кожу рептилий.

Rick Owens

Одежда дизайнера в основном спокойных цветов. Как правило, черная, серая и белая, но несмотря на такую сдержанность в цветах, модели Рика Оуэнса совсем нельзя назвать стандартными. Особенности образов дизайнера — неровный крой, асимметричные вещи, сложные и необычные формы. Деталями Оуэнс тоже не пренебрегает: на его жакете можно встретить, например, три рукава, один из которых выступает в качестве украшения.
Свои коллекции Рик предпочитает демонстрировать в свойственной авангардистам манере. На показе весна-лето 2016, дизайнер буквально скрепил моделей друг с другом. Кого-то несли на спине, кто-то был пристегнут валетом. Этим дизайнер хотел показать, что на каждой женщине висит тяжелое бремя, с которым ей приходится справляться.

Как собрать авангардный образ

Если вы готовы слегка отойти от модных стандартов и открыть для себя авангардный стиль, вот несколько критериев, которые нужно учитывать при создании смелого образа.

В первую очередь, нужно понять, что авангардный стиль — это не столько способ обратить на себя внимание, сколько самовыразиться, а иногда и передать через свой образ какую-то мысль. Так что необходимо позаботиться обо всем виде в целом, а не только об одежде. Как бы необычно ни выглядело ваше платье, скучные аксессуары и повседневный макияж смажут весь образ. Лучше заранее продумать макияж, подобрать объемное ожерелье или интересную сумку.

Смешение текстур

В авангардном стиле часто можно встретить смешение текстур и материалов. Но в смешении тканей нужно быть очень осторожным, а то стильный эпатажный образ может стать обычной безвкусицей. Чтобы научиться этому, стоит поэкспериментировать с одеждой и попробовать разные варианты.

Многослойность

Авангардному стилю тоже свойственна многослойность. Начните с ключевой части образа и постепенно добавляйте дополнительные элементы. Играйте на контрастах, комбинируйте, экспериментируйте с драпировками.

Непривычные материалы

Часто в авангардном стиле можно встретить вещи, сделанные из несвойственных им материалов. Начиная от тканей и заканчивая пластиком. Любой элемент вашего гардероба может стать частью авангардного образа, если нестандартно подойти к выбору материалов.

Другое применение

В авангардном стиле приветствуется использование вещей не по назначению. Например, ремень от вашего любимого тренча вполне может стать отличным авангардным аксессуаром, если обвязать его вокруг руки. Собирая модный авангардный образ, подумайте, как еще можно носить привычную одежду: может, стоит сделать из рубашки топ, а платье надеть как юбку?

Асимметрия: модный тренд сезона

Авангардизм — одно из самых интересных и необычных течений не только в моде, но и в культуре в целом. На моду это направление повлияло не меньше, чем на любой другой аспект искусства. Благодаря авангардистам многие вещи, казавшиеся когда-то слишком вызывающими, теперь вышли в массы.

Гид по авангарду в моде — и ваш новый новогодний стиль

В преддверии грядущего Нового года мы часто встречаем в прессе и интернете подборки — «авангардная ёлка», «необычная современная сервировка новогоднего стола». Но, на мой дизайнерский взгляд, все же один из самых актуальных предновогодних вопросов — каким должен быть наш новогодний образ, или проще говоря — наряд? Я не собираюсь давать советы, какой цвет нужно выбрать и не буду вспоминать о знаках зодиака, восточном календаре и земляных собаках. Я хочу предложить вам новый взгляд на праздничную одежду и этот взгляд — авангардный. И мне хочется доказать и показать — авангардная мода не поверхностна.

Но что же такое авангард в современной моде? Для начала взглянем глобально и можно сказать в глубь веков — а конкретно в самое начало прошлого века. Именно тогда зародилось понятие и появился сам феномен авангарда практически по всех областях человеческой деятельности. Это явление возникло одновременно с началом эры научно-технического прогресса и это, конечно, не случайно. С момента своего появления это движение породила значительный прогресс в таких областях, как живопись и музыка, театр и кино, литература и конечно же — мода.

Но только в 60-х годах 20 века мода по настоящему была покорена авангардным видением. Первый, кто стал творить в подобном стиле — Pierre Cardin (Пьер Карден) и его не без основания считают отцом-основателем данного стиля. И именно его знаменитая «космическая коллекция», приуроченная к запуску первого спутника Земли считается началом авангарда в мире высокой моды. Для Кардена авангард не стал основным стилем, но мастер часто возвращался к экспериментальному творчеству.

Интересно, что наше современное представление о том, что такое авангардная мода в чём-то отражает образы именно той, первой коллекции от Pierre Cardin.

Многие до сих пор считают, что авангард в современной моде — это яркие разноцветные геометрические формы и дикие головные уборы. Хотя, конечно, дикие головные уборы встречаются.

Но существует и другая точка зрения на историю появления истинного, менее поверхностного и более интеллектуального авангарда как стиля одежды — некоторые историки моды считают, что настоящиё авангардизм в одежде появился в Японии. Этот процесс начался тогда, когда японские модельеры попытались объединить европейскую моду с традиционными японскими одеждами. И это был уже совершенно другой «авангард». Именно такому авангарду позже было дано название — «деконструктивизм».

В 1981 году Yohji Yamamoto (Йоджи Ямамото) и Ray Kawakubo (Рей Кавакубо) вызвали настоящую революцию своими нетривиальными коллекциями, которые они представили вместе и эти коллекции взорвали все привычные каноны моды. Дизайнеры полностью изменили крой и форму вещей и начали применять новые техники обработки материалов. Основными принципами нового стилевого направления стали универсальность и функциональность. И именно благодаря этим дизайнерам чёрный цвет перестал считаться унылым и депрессивным.

Если проследить историю развития этого направления в авангардизме и наконец коснуться темы авангардного новогоднего образа, то сейчас деконструктивизм активно используют при создании своих коллекций очень многие дизайнеры. Например Issey Miyake (Иссей Мияке) — сложные формы и необыкновенная плиссировка, кстати — очень новогодняя!

Модели из последних коллекций:

Бренд Saint Laurent (Сен-Лоран) известен своими эффектными платьями необычных форм, вполне подходящими для создания эпатажного праздничного образа:

Одежда от бренда Moschino всегда сверкает блестящими тканями и продолжает традиции деконструктивизма изобретательными способами обработки материалов и необычными аксессуарами:

Если коснуться философской составляющей деконструктивизма, то это направление провозгласило появление новой эстетики — антиэстетику, уходящую своими корнями в традиционную японскую культуру. Если проще — это именно то самое умение видеть прекрасное в несовершенном — ваби-саби. Тем самым мы уходим от просто красивого и делаем первые шаги к истинно прекрасному, в то же время признавая, что несовершенство присуще человеку.
Радикальное мышление перетекает в радикальные одежды: деконструкция обычных узоров, монохромы, сосредоточенный на аскетическом и таинственном черном, необычные объемы, иногда несоразмерные пропорции.

В этом контексте хочется показать ещё одного японского модельера — Junya Watanabe (Юния Ватанабе):

Невозможно также не упомянуть Vivienne Westwood (Вивьен Вествуд) и Alexander McQueen (Александр Маккуин) как наиболее верных последователей деконструктивизма:

И потрясающие платья от Yiqing Yin (Ицин Инь), китаянки из Парижа:

Образы, завораживающие настолько, что я обязательно ещё сделаю подробную публикацию о Yiqing Yin — модельер преуспела настолько, что получила право представлять свои коллекции на показах haute couture. Как сообщает The South China Morning Post, она стала первой китаянкой, удостоенной этой чести.

Читайте также:  2 признака того, что вам показана ринопластика

На контрасте с деконструктивизмом интересно будет далее изучить другое направление авангардной моды: минимализм. Основным представителем авангардного минимализма на сегодняшний день, как ни странно, является Yohji Yamamoto. Мы ещё помним, что в начале статьи я назвала его основоположником конструктивизма, но со временем великий дизайнер стал уделять свой внимание минималистическому направлению.
Минимализм предполагает преимущественное использование однотонных тканей нейтральных оттенков, прямые или, наоборот, округлые, сглаженные линии. Интересно, что термин «минимализм» впервые появился тоже вне моды – в искусстве. В принципе, вся история развития моды 20 века связана с минимализацией, то есть с исчезновением из женской одежды излишней декоративности и созданию функциональной одежды. Конечно, мода, как и история, движется по спирали, и на протяжении последних ста лет постоянно происходит возвращение и к сугубой декоративности. Но тем не менее все возвращается на круги своя и минимализм тоже возвращается, отражая реалии современной жизни с её многозадачностью и все возрастающим стремлением к гендерному равенству.

Интересным представителем этого направления является молодой дизайнер Gareth Pugh (Гарет Пью), чьи наряды отличаются особой элегантностью и очень эффектны:

А вот китайский минималист Liao Dan (Ляо Дан):

И Lucas Nascimento (Лукас Насименто), лондонский дизайнер бразильского происхождения:

Последнее направление в авангардной моде — это концептуализм. Термин также обозначает более широкое явление и тесно связан с искусством. Концептуализм считается наиболее классическим проявлением авангардного стиля и является воплощением идей и концепций художника. Концептуальная линия в дизайне костюма выделилась в отдельное направление во 70-е годы 20 века. Отличие концептуального образа заключается в том, что имеет место перенос внимания с утилитарной функции одежды на художественно-эстетическую. В этом кроется основное отличие минимализма в моде от концептуализма и это по-настоящему диаметральное отличие — концептуальный образ утрачивает утилитарные качества, которые так важны для минимализма.
Примеры образов из коллекций концептуалистов — в свете нашей подготовки к новогодней ночи 🙂

Maison Martin Margiela (Мейсон Мартин Марджела):

Maison Martin Margiela покорил аудиторию инновационным дизайном и умением «дарить старой одежде новую жизнь». Большинство нарядов первых коллекции были созданы дизайнером из подержанных вещей! С первых показов лица моделей намеренно скрывали: обтягивали чулками или вуалью. Сам модельер никогда не выходил на поклон в конце шоу. По заявлению Модного дома, такой способ помогал аудитории сконцентрироваться непосредственно на самой коллекции. Необычайно интересный, вдохновляющий дизайнер! На его творчестве также хочется остановиться поподробнее, в дальнейших материалах обязательно расскажу о нём.

Comme des Garcons (Ком дэ Гарсо́н) — японский лейбл одежды, основанный Ray Kawakubo, о которой уже тоже говорилось в этой статье в связи с появлением деконструктивизма. В принципе, многие авангардные дизайнеры в своём творчестве с годами либо меняют предпочтения, либо работают на стыке нескольких стилей. К таким относится и Ray Kawakubo.

Методика проектирования коллекций дизайнера, как пишут, состоит в том, что она объявляет концепцию будущей коллекции и штат специалистов проектирует костюмы согласно главной идее. При этом сама дизайнер не рисует эскизы и не создаёт костюмы. Деконструктивизм в коллекциях присутствуют в деталях – отсутствие рукавов, необычные формы и крой. Суть же творческого метода — концептуализм.
Вот что пишут о последней коллекции:
«Творческое сопротивление было темой этого сезона. Ангел Кавакубо — вечно шикарная богиня моды в своем внушительном белом твидовом костюме — выделялся как особая персона, проявленная в центре красочного, сюрреалистического, мультяшного, игрушечного и компьютерного игрового парада. Из всего этого будет экстраполировано много чтений. Будет проведена дискуссионная работа по поиску коллаборации картин и творческого искусства тысячелетней культуры Кавакубо. Будут наблюдения за параллелями, которые она может рисовать между нашей эрой потребления и отходов, и другими историческими временами декаданса.
Конечно, следует отметить, что она решила закончить это шоу классической похоронной музыкой. Оптимизм — это не вариант, который может предложить Рей Кавакубо. Но, с другой стороны, этот ангел? Возможно, она не спасет мир, но она наверняка будет продавать большое количество твида Comme des Garçons и кружев в следующем сезоне».

Вот он, этот ангел, дающий надежду:

На этой оптимистичной ноте и закончим наш обзор, напоследок напомнив:
Авангардная мода наиболее полно воплощает образ жизни и образ мыслей!
Авангард — это то, что раздвигает границы повседневного — а это именно то, что нужно нам в эту прекрасную новогоднюю ночь!

Авангард: искусство стиля в интерьере и архитектуре

Авангард – это яркий, дерзкий стиль в живописи, архитектуре, моде, литературе и музыке. Это явление стало знаком революционных устремлений молодёжи XX века. В наше время под авангардом понимается всё, что противостоит классике и традиционному мышлению. Авангард стал культурно-эстетическим вызовом, претендующим на создание нового искусства. Само название «авангард» (в переводе с французского – «идущий впереди» или «передовой отряд»), подчёркивает современность стиля, новизну идей и стремление всегда оставаться в моде.

История возникновения

Как стиль и художественное направление, авангард зарождается в начале XX столетия. Термин первоначально носил военный характер, но со времён французской революции получил другой, метафорический смысл.

К концу XIX века его стали применять в художественной критике, но не в качестве названия стиля, а для обозначения новых, передовых идей. И только уже после Второй мировой войны слово «авангард» стало использоваться в роли объединяющего термина, прикрепляемого к любым видам искусства, антитрадиционным по форме.

Авангардизм в искусстве тесно связан с модернизмом. До сих пор вопрос соотношений этих двух понятий остаётся открытым: их полностью противопоставляют и, наоборот, взаимозаменяют. Но всё-таки модернизм в большей мере считают предшественником авангарда, определяя разницу между стилями. Так, модернизм проявил себя как эстетический бунт: это была революция в искусстве. Авангард же – это бунт против всякой художественной традиции в любом направлении.

Особенно отметился русский авангардизм в живописи, появившись в СССР как протест против тоталитарного режима. Самыми яркими представителями русского авангарда считаются Казимир Малевич и Василий Кандинский.

Характерные черты авангарда:

  • осознанно экспериментальный характер произведения искусства;
  • революционно-разрушительный пафос;
  • антитрадиционность;
  • принципиальное новаторство в формах, приёмах, средствах;
  • эпатажность и даже скандальность;
  • стирание границ между видами искусств и синтез разных искусств.

Появившись в переломный момент, авангард принял на себя функцию разрушителя, пророка и творца абсолютно нового искусства. При этом каждый из представителей видел его выражение по-своему, поэтому рамки авангардных течений очень велики.

Современное направление

Сегодня авангардистами называют новаторов во всех видах искусства (живопись, архитектура, дизайн, мода, музыка). А само искусство авангарда представляет собой целый пласт различных веяний и течений. Это уже часть популярной культуры, частично утратившей свой изначально бунтарский дух.

С 60-х годов вторым развитием авангарда стал стиль, получивший название «поп-арт». Это искусство, рассчитанное на массовую аудиторию. В идее движения лежит теория о том, что всё может стать предметом искусства. По словам крупнейшего представителя «поп-арта» американца Р. Рауншенберга, «это искусство вне искусства», так как стирались границы между жизнью и творениями мастеров. Этот стиль и сегодня живёт в кино, рекламе, моде, в поведенческом типе жизни.

К 70-м годам на смену «поп-арту» приходит концептуализм, в основе которого лежит бессодержательность. Практически одновременно появляется движение «боди-арт», когда тело превращается в объект искусства.

Сегодняшний авангард – это искусство успокоенного общества. Оно не учит, не пропагандирует, ни с кем не конфликтует, а живёт наравне с другими стилями. В большей степени современный авангард заметен в моде. У истоков авангардного стиля в одежде стоял знаменитый Пьер Карден. Особенности этого стиля проявляются и в нынешней моде:

  • асимметрия;
  • нестандартный силуэт;
  • игра форм;
  • яркие цвета;
  • смелые сочетания, контрастность;
  • сочетание разных стилей, тканей, фактур.

Архитектура

В Москве сохранилось немало зданий 20-30-х годов, построенных в период авангарда.

Большинство из них имеют упрощённую форму с акцентированными угловыми частями. Много домов с башенными силуэтами, угловыми лоджиями и балконами. Жилые комплексы Москвы этого периода можно смело поставить в один ряд с европейскими аналогами – жилыми кварталами Берлина, Амстердама, Вены. Творения зарубежных мастеров амстердамской школы превосходят в плане индивидуальности постройки советских авторов, однако следует учитывать трудные условия, в которых работали наши соотечественники.

Сегодня самым авангардным городом Европы считается Роттердам. Его жители каждый день имеют возможность смотреть на архитектурные творения, парящие в воздухе. А в Музее Бойманса-ван-Бёнингена собрано большинство произведений авангардного искусства.

Образец современного русского авангарда – здание школы управления «Сколково» (Москва). Именно в этом здании воплощены идеи архитектуры будущего.

Некоторые архитектурные примеры авангардного стиля поражают своей абсурдностью: унитаз на постаменте М. Дюшана или композиция из консервных банок Э. Уорхола.

Дом архитектора Мельникова (1929 г.) – пример здания, построенного в рамках конструктивизма (одно из авангардных течений). Примечательно, что в доме отсутствуют балки и стропила, вместо этого используется тес, уложенный на ребро. Простота и утилитаризм форм при полном отсутствии декора – одна из особенностей данного стилевого течения.

Рекомендуем также ознакомиться с архитектурой Рококо.

Интерьер

Можно не знать Малевича и Кандинского, но если в человеке присутствует бунтарский и новаторский дух, то авангард в интерьере как раз то, что ему нужно.

Авангардный стиль – это прежде всего импровизация, а уж далее возможны эпатаж и сногсшибательность. Его особенностями являются штучные формы, новаторский, экспериментальный подход к выбору цвета, формы, к декору интерьера в целом.

Сейчас стиль авангард всё больше набирает популярность в архитектуре и дизайне. Фотографии в этом стиле украшают офисы известных компаний ресторанов. Авангардизм совмещает в себе дух искательства и протеста. Однако создание авангардного интерьера в доме требует индивидуального подхода. Увидеть картинку в журнале и скопировать подобный интерьер у себя в доме не получится. В проектировании интерьера в авангардной стилистике нужно учитывать образ жизни, вкусы и интересы хозяина.

Важно знать, что авангард противопоставлен не столько классицизму, сколько любому стилю, где на первый план выдвигаются формальная красота и рационализм. Нельзя отождествлять авангард с минимализмом в интерьере или хайтеком. Авангардный дизайн предполагает наименьшую функциональность. Здесь во главу угла ставятся цвет и форма в отрыве от функциональности. Идея этого стиля в том, чтобы разрушить связь между красотой и полезностью. Допускаются абсолютно бесполезные, но красивые вещи, что является противоположностью Готическому стилю.

Авангардный стиль ассоциируется с яркостью, эффектностью, нестандартностью. В интерьере обязательно присутствует торжество контрастов. Главное – уметь сочетать цвета и формы, свет и тень. Свежие идеи, эксперимент, детали должны в целом сливаться в единую стилистическую картину.

Цветовые решения

Цвет – одна из основных и принципиальных особенностей авангарда. Яркие цвета в необычных сочетаниях – вот что главное в этом стиле.

Сама концепция цвета строится на основе какого-либо светлого оттенка (белого, бежевого, жёлтого). В дополнение следуют цветовые акценты: фиолетовый с красным или зелёный с синим. Разнообразие красок должно быть обязательно.

Чтобы организовать интерьер в авангардной стилистике, надо смело браться за кисти и краски. Эксперимент с цветом – главное. К примеру, можно покрасить одну стену в белый цвет, а другую – в чёрный. Рядом с белой стеной – расположить чёрное кресло, а на чёрной стене повесить бра со светлым абажуром. Главное – проявить смелость и уверенность, чтобы стиль выглядел естественно.

Материалы

Авангард в плане выбора материала для пола, стен, потолка очень демократичен. Сегодня вполне применимы самые современные материалы: пластик, текстиль, а для отделки – ламинат или линолеум. Потолки (подвесные, разноуровневые) традиционно белого цвета, стены должны быть покрыты краской. Обои с рисунком исключены, только однотонные либо металлизированные. Допускается декоративная штукатурка.

На сегодняшний день выпускается плитка фирмы Опочно в стиле авангард.

Окна и двери

Окна в стиле авангард должны не столько выполнять главную функцию – освещения, сколько стать украшением комнаты. Они используются также для декорации внутренних стен и перегородок. Это сделает интерьер необычным и своеобразным, что в целом является главным для авангардной стилистики. Возможны даже имитации окон.

В выборе окон важны конфигурация, форма, размер, цвет оконных рам. Последнее веяние – большие цветные окна – витражи.

Важно контрастное оформление окон. Ткань для штор подбирается ярких оттенков, контрастирующих с цветом стен. Уместны рулонные шторы.

Двери могут быть стандартными распашными, но с уникальным дизайном, подчёркивающим общий стиль. Альтернативное решение – раздвижные или складчатые двери из современных материалов.

Декор и аксессуары

Секрет оформления комнаты в стиле авангард в том, что в ней должен находиться центральный предмет (кровать, диван, ковёр на полу, стол и др.), вокруг которого располагается вся композиция. В качестве деталей используются репродукции современного искусства, объёмные стеклянные вазы, необычная посуда.

Освещение комнаты – обильное. Уместно большое количество современных светильников, встроенных в потолок, галогеновых ламп. Акцентом может стать интересная дизайнерская люстра. Большие окна, подиумы, ступени выступают в роли элементов декора.

Мебель

Авангардная мебель оригинальна, полна энергии и интересных деталей, но вместе с тем функционально сдержанна. Игра с формой только приветствуется. К примеру, диван может быть наполовину круглый, наполовину – квадратный. Допускается разнообразная асимметрия либо предметы мебели простых геометрических форм. В духе авангарда – мебель на коротких ножках, максимально приближенная к полу. Обивка – яркая, но без мелких деталей.

Комнаты в стиле авангард не должны быть перегружены: всегда должно оставаться свободное пространство. Кухня, выполненная из стекла, пластика с мебелью округлых или прямоугольных форм, выглядит очень эффектно. Спальня с выдвижной мебелью, центральный предмет которой – кровать-подиум или оригинальный шкаф-купе, станет уютным местом для уединения. Яркая гостиная с минимальным количеством мебели, с вазами, картинами художников-авангардистов смотрится современно и стильно.

Ссылка на основную публикацию
×
×